Impronta de Jazz

RECESO

2012-01-01T06:14:00.000-08:00

SAM RIVERS

2011-12-28T08:49:00.000-08:00

1923–2011

Sam Rivers, uno de los gigantes del género , considerado como una leyenda del jazz por su talento en la improvisación y perteneciente a la vanguardia neoyorkina, falleció a causa de una neumonía, el 26 de Diciembre en la ciudad de Orlando a la edad de 88 años.
Para un acercamiento profundo a parte de su legado les recomiendo que escuchen : "Sam Rivers: The Complete Blue Note Sam Rivers Sessions ", a quien se quiera interesar por éste enorme músico.
"A mis ojos, mi padre estuvo de vacaciones toda su vida", dijo su hija y mánager Monique Rivers Williams el lunes al diario The Orlando Sentinal, al informar del fallecimiento.

"Él solía decirme: Estoy trabajando, pero disfruto cada momento de ello", explicó.
"Jubilarse no formaba parte de su vocabulario. Él solía preguntarme: ¿Para qué tenemos esa palabra?", añadió.

IDJ

Y VOLVIÓ UNA MAÑANA

2011-12-26T08:08:00.000-08:00

Y volvió una mañana, se lo esperaba en la red. Siete años desde la última antorcha encendida en el camino con Real Gone. Siete años escuchándolo desde todos lados en vivo, con formaciones que van del histórico -titular indicutido además- Marc Ribot al desconocido e hispano Omar Torrez en la “sección de cuerdas”, del ‘Primus’ gigante de la percusión, Brain Mantia, al jovencísimo Casey Waits tras los parches.
Pero él eligió volver…con sus viejos amigos, armando un seleccionado sub 70 que da todo tipo de garantías y, tratandose del viejo, lo entienden telepáticamente y, le tiran las mejores paredes, tal el caso del mencionado Ribot.
Ahora, seguro vendran algunas caras extrañas que dirán: más de lo mismo…se repite, siempre una, dos, o más baladas, que el sonido de la bateria, etc, etc
Pero sus feligreses siempre estaremos ahí, al pie del cañón, sabiendo que un clásico es un clásico y que sería estúpido y necio, pedirle a Maradona -o a cualquiera- que gane un campeonato del mundo cada cuatro años.
El ya ganó un par de campeonatos del mundo y siempre está ahí…dispuesto a usar los viejos trucos que siempre deslumbran y causan admiración, como la locomotora que arranca el disco con Chicago.

R : http://el-parlante.com

MARCO SANGUINETTI - EL OTRO

2011-12-19T07:27:00.001-08:00

Creo que si nos despojamos del prejuicio, q muchas veces se cierne en las camadas de los aficionados mas taxativos, les aconsejo que dejen de lado la fatídica pregunta : ¿ Es esto jazz ?. De no ser así les aseguro que se pierden de disfrutar a un músico que marca la diferencia en su sonido y de un nombre que va a dar que hablar en un futuro no muy lejano.
Este es su tercer cd grabado en vivo durante los últimos días de 2010 y el primero con acompañantes , los anteriores son a piano solo. Marco aborda una idea cuyo centro neurálgico es un lenguaje personal que nos interpela desde las primeras notas. Ya la elección de DJ Migma aporta intempestivas y fugaces apariciones que refuerzan las intensidades e ideas del músico. Como un orfebre que pone a prueba todas las posibilidades de su música, el pianista contagia su pasión con una claridad expositiva ponderable sabiendo cuál es el alma que le quiere conferir al proyecto.
Hay referentes generacionales que son ineludibles, modalidad derivada de Brad Mehldau en adelante, en cuanto a atreverse a salir del standard clásico del jazz, y se plantean revisiones de “Paranoid Android” - Radiohead, más acá, “La montana” del flaco Spinetta ( hermosa versión ) y “Secret World” de Peter Gabriel, desandando laberintos ya recorridos superando cualquier expectativa.
La voz de Paloma del Cerro fue elegida con el suficiente criterio, cantando con inteligencia y con un feeling minimalista sin impresionar; suena homogénea y coherente dentro de una formación que optó por no tener contrabajo encarando un estilo más contemporáneo; guiados por el trombón de Omar Grandoso y la batería de Hernán Rodriguez.
Otra de las instancias más positivas que veo del líder , es el hecho de que se cuestiona un asunto no menor y quizás trivial para la mayoría de los artistas que son compositores de su material , como es la autoría de los temas y el cambio de paradigma, al menos como intención, de que cada uno de los convocados han aportado a la composición su esencia, oficio, compenetración e ideas, entonces ¿ Quién es el autor real ?
Celebro con ganas un disco como el que reseñamos y levanto la copa por un año de aquellos para el jazz argento, muchas ediciones, sellos nuevos, revistas dedicadas al género, festivales en los 4 puntos cardinales del País, y un sonido ya identificable y diferenciado del resto de lo que suele venir de afuera. Que no decaiga!!!

Marco Sanguinetti : piano
Paloma del Cerro : voz
Omar Grandoso : trombón
Hernán Rodríguez : Batería
DJ Migma : bandeja y percusión.

R:IDJ

LA FIESTA VA

2011-12-08T16:17:00.000-08:00

David Sanchez+Stefon Harris+Christian Scott - Ninety Miles 2011
Sin duda uno de los mejores discos del año que finaliza.

MARIANO LOIACONO - WHAT'S NEW ?

2011-12-01T16:39:00.001-08:00

Estupendo disco que se editó por el incipiente sello de jazz Argentino RIVORECORDS, y pertenece al trompetista nacido en Punta Alta, provincia de Córdoba , con formación musical en Rosario : Mariano Loiacono.
Como la consigna del sello lo requiere, todos los cortes son standards menos uno de autoría propia “ Connecting”.
Desde mi óptica , Mariano se va a consolidar como una de las figuras del jazz actual, posee un sonido intenso y expresivo y lleva su relectura a nuevas arenas, donde temas como What’s new ?, Johnny Come Lately o Blue Monk están muy bien logrados, exponiendo belleza contundente y natural.
El conjunto suena estable , con participaciones individuales muy ricas y coloridas, como en el caso de Gustavo Musso, excelente saxofonista tenor quien va matizando sus intervenciones de lo álgido a lo medido. Otro de los componentes que me gustó es el pianista Fransisco Lo Vuolo, que como un Wynton Kelly criollo, siempre cumple con una forma de tocar “a la alta escuela”, como se decía en tiempos pasados.
Las cualidades musicales del resto de los convocados está a la altura de las circunstancias con resoluciones sonoras muy disímiles.
Este es el segundo cd del líder y su primero para esta casa ; de todas formas lo consideraríamos como un debut magnífico, a vistas de lo escuchado.
Les sugiero que compren estos trabajos que están a un precio muy accesible y como bonus para la conciencia, apoyamos a nuestros artistas argentinos, y en éste caso en particular al emprendimiento generado por Justo Lo Prete, quien en tiempos de vacas flacas para el mercado discográfico se jugó en esta encomiable gesta, por pasión al jazz.

Mariano Loiacono : Trompeta y Flugelhorn
Gustavo Musso : Saxo tenor
Francisco Lo Vuolo : Piano
Jerónimo Carmona : Contrabajo
Pepi Taveira: Batería
Músicos invitados :
Sebastián Loiacono y Ramiro Flores : Saxo Alto

R :IDJ

ENTREVISTA : PABLO LEDESMA

2011-11-21T07:28:00.000-08:00

Pablo Ledesma es uno de músicos más relevantes y más infravalorados de la escena local. Quizás por estar en las antípodas del jazz más ortodoxo, su discurso estilístico deviene de músicos como Steve Lacy pero sin ubicarlo como epígono de aquel.
Versátil y heterogéneo, sus trabajos hablan de cuan lejos está de los criterios estéticos formales y los modos convencionales.
Gran músico, pero por sobre todo una gran persona, que con la humildad que solo poseen los grandes, liberado de todo narcisismo intelectual y musical, accedió a realizar esta entrevista.

IDJ. ¿ Qué fue lo que te motivó a entrar en la música y mas precisamente en el Jazz ?

P.L : La música apareció en mi vida a los 13 años mas o menos. Nací y crecí en un pueblo agrícola muy pequeño de la Pcia. de Bs. As en donde las manifestaciones culturales escaseaban. La información llegaba por la radio o a través de los amigos. Los elementos de la música, la abstracción, el sonido, la posibilidad de transmitir los sentimientos y el juego creativo me fascinaron para siempre. El Jazz me atrajo como un mundo desconocido que debía explorar impulsado por mi naturaleza curiosa .

IDJ. Sos un músico que se ha corrido de las estéticas más transitadas dentro del género y tomaste el camino de la improvisación o si se prefiere el de una concepción más libre a la hora de generar tu discurso. ¿ Cómo fue el recorrer ese camino que no suele ser el de más aceptación popular ?

P.L : La curiosidad fue el motor, en la adolescencia fue el rock y todos los cambios culturales de los ´60, paralelamente el jazz, , la escuela de Viena, la música contemporánea posterior a la II guerra mundial, el descubrimiento de la improvisación como energía central y así me fui moviendo hacia delante, siempre persiguiendo el misterio…cuando empiezo a entender un lenguaje tiendo a perder el interés.

IDJ. La improvisación ¿ Se improvisa ?

P.L : La improvisación es la vida. Se trabaja a tiempo real con herramientas que han sido adquiridas a través de procesos de aprendizaje o de práctica intensiva. Otro ejemplo son los deportes: uno aprende sus fundamentos y reglas, los practica, asimila, internaliza y luego juega el partido.

IDJ. ¿ Cuan indelebles fueron las marcas de un músico como Steve Lacy en tu manera de mirar la música ?

P.L : Vi reflejado en su trayectoria, mi propia experiencia con la música y los intereses que siempre me atrajeron: la improvisación, la música contemporánea, la exploración, la composición basada en las técnicas que derivaron de la serialidad y las experiencias ocurridas desde los ´50, el compromiso con el tiempo que te toca vivir… es decir una mezcla entre un compositor académico, un improvisador y un jazzman. Una persona interesada en todas las manifestaciones del arte: poesía, literatura, pintura, danza, etc. Gran amigo de varios poetas y pintores de la generación beatniks. Cerebro y corazón.

IDJ. ¿ Cómo fué tu experiencia con un músico tan relevante de la escena europea como Agustí Fernández ?

P.L: Encontrarme y grabar con Agustí fue comenzar a transitar, más en profundo, un camino que venía vislumbrando desde hacía 20 años atrás, pero no encontraba interesados ni manera de desarrollarlo en nuestro país (excepto alguna excepción como el Mono Hurtado) Desde los ´80 que escuchaba la nueva música libre improvisada europea y en el 89 asistí al Willisau Jazz Fest en Suiza donde pude oír y ver en vivo a figuras fundacionales como Peter Kowald, Wadada Leo Smith, Sun Ra, Hans Koch, Lol Coxhill. Hasta el encuentro con Agustí solía trabajar con herramientas más ligadas al temperamento y a los parámetros occidentales de creación (además de continuar tocando jazz ligado a la tradición) cosa que aún hago, pero mi interés avanza cada día hacia la libre improvisación.

IDJ. ¿ Cómo es trabajar con Pepe Angelillo ?

P.L: Desde hace 16 años que mantenemos con Pepe una actividad constante, de mucha lucha y esfuerzo por llevar a cabo proyectos. La frecuencia humana que nos relaciona tiene que ver con que los dos somos de pueblos del interior de la provincia de Bs.As (Pepe de Tandil y yo de Henderson) así que manejamos los mismos códigos de entendimiento. Los dos hemos tenido una formación mixta entre lo popular y lo académico (en la Facultad de Bellas Artes de la UNLP y el Conservatorio, donde hoy somos docentes) vivimos en la misma ciudad, tenemos casi la misma edad, etc. Todo eso nos sitúa en un plano de rápida conexión.

IDJ. ¿ Qué repercusión tuvo tu trabajo homenaje a Lacy en vos y como un tiro por elevación en el circuito de quienes seguimos esta música, teniendo en cuenta que quizás es uno de los más laureados por público y crítica ?

P.L: Es sólo un documento de un proceso evolutivo. Ahora estamos por editar una continuación del “Memorial” con temas de Monk y Mingus. No creo mucho en los discos, incluso ahora que son historia como negocio, se siguen haciendo como para documentar etapas y para difusión de tu trabajo.

IDJ. Una de las encrucijadas que tiene un músico que busca encontrarse a partir de un sonido es el de la autenticidad ¿ Pensás que la has encontrado ?

P.L : Siempre digo que los que vivimos en las colonias somos maduros tardíos, porque nos cuesta mucho encontrar nuestro propio camino ya que no vivimos en un medio cultural abundante de maestros y gente sabia, gente experimentada que nos guíe y dé confianza para hacer nuestro trabajo. La falta de apoyo y posibilidades de desarrollo hace aún más difícil lograr un discurso acabado y personal, por eso es que vemos en nuestro medio mucha gente tratando de imitar modelos ya aceptados. De todos modos, en lo personal ya ha pasado mucho agua bajo el puente y creo que hay un sonido y una manera de hacer las cosas que me identifica.

IDJ. ¿ Músicos, como Mat Manieri, Kidd Jordan, Albert Ayler o más acá Guillermo Gregorio, abrieron puertas estéticas dentro de la experimentación ?

P.L: Con el mayor respeto hacia quienes nombrás, creo que son muy pocos quienes se pueden considerar los abanderados de las revoluciones ocurridas en estos últimos tiempos (incluso hace mucho que no hay nada nuevo bajo el sol) donde se debe conjugar la maestría de un nuevo lenguaje más el impacto “mediático y comercial”, por ej. John Coltrane lo logró, pero sus propuestas ya venían siendo trabajadas por John Gilmore y Cal Massey, incluso la novedad del redescubrimiento del saxo soprano fué a instancias de Steve Lacy. Creo que los que nombrás y muchos otros son referentes de la búsqueda y la exploración de nuevos territorios.

IDJ. Para cerrar : 3 discos que hayan marcado tu vida como músico.

P.L : Son muchos y diferentes según la etapa que me haya tocado vivir. Algunos me impresionaron por lo técnico (como “Monoceros” de Evan Parker) otros por lo emocional.

Pablo Ledesma es profesor de saxofón en el Conservatorio "Gilardo Gilardi", Profesor de Improvisación en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad Nacional de La Plata.

Discografía recomendada :

Pablo Ledesma y Pepe Angelillo - Memorial Steve Lacy
Pablo Ledesma y Enzo Rocco : Seis Episodios En Busca De Autor
"Vivo En La Plata" - Pablo Ledesma Project- Sonosfera - La Plata-1998-
Agustí Fernández - Pablo Ledesma - Mono Hurtado - Buenos Aires 2000
"La Musica de Steve Lacy" - Nuevo Jazzcd Concierto 01-Bs.As - 2002-

EL SONIDO DE LOS BEATLES. MEMORIAS DE SU INGENIERO DE GRABACIÓN

2011-11-14T07:46:00.000-08:00

Aunque todavía no ha llegado al País, este libro debe morar en la biblioteca de cualquier amante de la música bien hecha. El ingeniero de sonido de los fabulosos 4 de Liverpool; Geoff Emerick, abre la puerta a sus recuerdos y cuenta sus experiencias en el estudio de grabación lo que agrega un poco más a la historia, una histroria contada desde otros ángulos; hasta la saciedad de mil maneras distintas, solo que en este caso la movida viene de primera mano por parte de quien fue, artesano del sonido, que querían tener Los Beatles.
El relato va desde las experimentaciones y consecuentemente innovaciones sonoras de las grabaciones más emblemáticas, hasta los conflictos de ego dentro del grupo y su disgregación final; además de anécdotas que ofrecen una mirada novedosa sobre la convivencia con uno de los grupos más famosos de todos los tiempos.
Está en español, pero por ahora, solo accesible a través de sitios internacionales.

Geoff Emerick y Howard Massey
Prólogo de Elvis Costello

R:IDJ

RIVORECORDS

2011-11-07T06:42:00.000-08:00

Obsesivo del jazz

Entrevista. Justo Lo Prete. Creó RivoRecords, un nuevo sello especializado en standards del género. Y cuenta por qué.

Tengo un afán de coleccionista. "Soy un obsesivo por donde se mire”, confiesa Justo Lo Prete apenas comienza a explicar las razones que lo llevaron a crear RivoRecords, un sello de jazz cuya especialidad serán los standards. “Me interesa el orden, el cuidado en la edición, cosas que los coleccionistas aprecian a veces más que la música misma”.
Lo Prete era un abogado penalista con dedicación full time hasta que la idea de producir los discos que él ama -no sólo escuchar sino también mirar- fue salpimentando sus presentaciones en congresos, sus escritos jurídicos. “Es un poco de color en el medio de la vida profesional”, dice. En honor a la verdad hay que aclarar que Lo Prete no aterrizó repentinamente en el ambiente del jazz.
Los músicos locales lo reconocen y saben que desde hace años invierte gran parte de su tiempo libre en larguísimas discusiones sobre música en general y sobre jazz en particular. Uno de sus foros favoritos es la disquería Minton’s. “Ahí vamos todos los raros o los que gustamos de parecer raros – reconoce-: músicos y aficionados, sacros y profanos. Tenemos discusiones tan apasionadas como inútiles sobre si es mejor Sonny Rollins o Coltrane”.
Te decidiste a hacer discos de jazz en un momento en que la industria discográfica mundial se debilita, y la local tiende a desaparecer. ¿Cuál es el negocio? El de hacer los discos que me gusta no sólo escuchar sino también tener, mirar. Me interesan los standards y aquí, en Argentina, los músicos no suelen tener oportunidad de grabarlos porque van juntando el mango de a poco y cuando finalmente llegan al estudio prefieren tocar sus propias composiciones. Sin embargo, ninguno de estos músicos niega el valor de un standard, todos arrancaron de allí para aprender. Les ofrecí matizar con alguna composición propia. Pero consideraron mejor no dejar su música en minoría respecto de los standards. Sólo Loiácono grabó un tema propio.
¿Pusiste alguna otra condición? Puse ciertas reglas pero para trabajarlas con flexibilidad. Una cosa que me parecía importante es que no se retocaran las versiones. Se hicieron dos tomas de cada una y se eligió la mejor en cada caso. Tocaron todos juntos, como en un show en vivo, sin usar cabinas ni auriculares. No hay ninguna pinchadura en ninguno de los tres discos. Los músicos respetaron eso a rajatabla. Seguramente aparece por ahí alguna nota pifiada pero el resultado musical es muy fresco.

Fuente : Sandra De La Fuente
www.clarin.com

RECONOCIMIENTO

2011-10-30T17:45:00.001-07:00

El Honorable Concejo Deliberante de Villa Mercedes, San Luis me hizo entrega de una plaqueta de reconocimiento por el aporte a la Cultura de Impronta de Jazz a la comunidad en todos estos años y declarando el programa de Interes Legislativo. Finalizo un año maravilloso con objetivos alcanzados y logros obtenidos. Gracias a todos aquellos que de corazón comparten la misma alegría.

FOREVER MILES

2011-10-24T17:51:00.000-07:00

El jazz del legendario trompetista Miles Davis, uno de los grandes del género, volverá a sonar en una película sobre su vida y un disco de hip hop que comenzarán a producirse el próximo año.
"La película no será un biopic al uso", reveló Erin Davis, hijo del músico, en una entrevista con Efe en Nueva York, en la que también señaló que la cinta estará interpretada por Don Cheadle ("Hotel Rwanda") y la dirigirá Antoine Fuqua ("Training day: Día de entrenamiento").
Su banda sonora contará con la participación de Herbie Hancock, que formó parte de uno de los quintetos de Davis (1926-1991), y el lanzamiento de la película coincidirá con un disco de remezclas de los temas del trompetista con artistas de hip hop actuales.
Erin Davis, músico y productor, se encontraba hoy en la Gran Manzana precisamente para participar en un debate en la Universidad de Nueva York sobre la fusión del jazz y el hip hop, un estilo de música "que interesó mucho a Miles en los últimos años de su vida".
"El último disco que grabó Miles Davis, "Doo-Bop", en 1991 supuso un giro hacia un sonido más joven y urbano. Le hubiera encantado la idea de que incorporaran sus temas en las remezclas, aunque le gustaba trabajar con los músicos directamente", añadió a Efe.
Músicos y bandas como Guru, Talib Kweli, Pete Rock o Jazzmatazz ya se han atrevido a mezclar en sus obras el jazz y el hip hop, con el objetivo de "reflejar su admiración por los músicos de jazz y de hacer evolucionar su música", dijo Erin Davis.
En su opinión, esa fusión de estilos es capaz de unir "a varias generaciones diferentes, a los padres a los que les gusta el jazz y a los hijos a los que les gusta el hip hop".
"Es estupendo que los jóvenes puedan llegar al jazz y a Miles gracias al hip hop", dijo a Efe, por su parte, Vince Wilburn, sobrino del legendario trompetista y músico profesional, que también participó en el debate y es el productor del disco de remezclas que se publicará cuando se estrene la película.
Para Wilburn, que tocó con Davis en los últimos años de su vida, los dos estilos musicales son más similares de lo que parece. "En ambos es importante la improvisación", remarcó.
"Miles odiaba ensayar y, cuando grabábamos canciones, teníamos la frescura de sus composiciones a través de su liderazgo", dijo de Davis, que elaboró su mítico "Kind of blue" en tan solo dos sesiones de grabación, de cinco horas cada una.
De ese disco, grabado en 1959 en el entonces recién inaugurado estudio de Columbia en la Calle 30 de Nueva York, salieron auténticos clásicos como "So what", "Freddie Freeloader", "Blue in Green", "All Blues" y "Flamenco Sketches".
Desde que se publicó, "Kind of blue" se ha mantenido como el álbum de jazz más exitoso de todos los tiempos, con hasta 80.000 copias vendidas por año en las últimas cinco décadas.

Fuente : www.abc.es

IMPRESIONES DEL FESTIVAL

2011-10-17T09:18:00.000-07:00

Con un paisaje inmejorable y una escueta pero cuidada selección de artistas se realizó por primera vez el “Primer Festival Internacional de Jazz en San Luis ” en el hotel “Potrero de los Funes”.
Cuestiones laborales solo me permitieron estar presente el día Sábado 15, asi que me remitiré a lo vivido en esa jornada. El desarrollo del mismo se llevó a cabo en 2 escenarios, uno el bar flotante, ubicado dentro del hotel y con la hermosa panorámica de fondo del lago, con jam sessions y el otro en el anfiteatro del mismo para la sección más formal si se quiere.
Lo primero que degustamos al llegar fue al pianista italiano Fabrizio Pieroni junto con Jerónimo Carmona en contrabajo , Leo Alvarez en guitarra , Eloy Michelini en batería. Con un repertorio a base de standards el pianista de Roma, que vive entre Buenos Aires y su ciudad natal , desplegó su discurso en un ejercicio de buen gusto, con un sostén ideal como lo fue Leo, lleno de sutilezas y guiños del jazz más amigable con tendencia al cool.
Al terminar, en el otro escenario estaba Silvio Paez Trio de San Luis, quienes con una clara tendencia hacia el jazz - fusión, de hecho uno de sus temas fue “Teen Town” de Weather Report; se movieron en esa línea lo que ponía el matiz variado al evento en cuanto a propuestas.
Ya entrada la noche volvío Fabrizio Pieroni esta vez en piano solo y ya sí claramente con un sonido abiertamente europeo en sus interpretaciones y casi al final una versión a dúo con un bandoneón del tema principal de la película “El Padrino”, que acarreó vítores y aplausos.
Ya instalado en el anfiteatro, hasta el final todo el evento se desarrolló allí, recibimos al magnifico Ricardo Cavalli como líder junto con el maestro George Garzone y la cosa empezó a tomar un color deseado por el público . Con composiciones propias de Ricardo y algún que otro filtreo con Coltrane, dicho esto de manera laudatoria el nivel de adrenalina se elevaba y empezabamos a disfrutar de disonancias y sonidos bellamente incómodos pasando de lo accesorio a lo esencial , cuando ambos dialogaban entre ellos, o en sus discursos solistas.
Contundentes y auténticos plantearon una sesión árida por momentos , en los duelos más que nada , refrescante en otros, sobre todo cuando el aire hard - bop hacía acto de presencia y pulcra cuando los tempos lentos así lo requerían. Y sin desmerecer nada de lo anterior llegó lo que más se estaba esperando y también, en ese intervalo, la sala multiplicó el público.
Desde la intuición deduzco que había una mezcla mayoritaria de aficionados, oyentes casuales de otros géneros, que venían a ver un concierto de éste tipo por primera vez y curiosos o invitados por amigos que a falta de una oferta mejor, quizás asomaron sus narices por primera vez al jazz, y todo eso me parece genial . Diego Fisherman fue el presentador del sexteto formado para la ocasión que nos visitaba con la propuesta sentida de un homenaje a Miles Davis. Luego de las siempre claras y lúcidas apreciaciones del presentador, las luces se bajan y las figuras de Wallace Roney - Jeff “Tain” Watts - Rufus Reid - Antonio Hart - Cyrus Chestnut y George Garzone nuevamente uniéndoseles , nos introducen en el túnel del tiempo y sentimos que la sala se llenaba del carisma del homenajeado conectando en un complejo mosaico a los integrantes que basaron su repertorio mayormente en el Miles de los cincuenta. Sería ampuloso hablar de estos titanes que cuentan con un aval en sus historias que hablan por sí mismos, pero hay cuestiones que apuntar, Jeff Watts se llevó la mayor cantidad de aplausos después de cada tema y al final del recital. Con su cara regordeta y siempre sonriente, no dejo de aporrear con clase los parches en las casi 2 horas que duró el set y sin mirar en ningún momento su instrumento, todos quedamos boquiabiertos con tremendo baterista.
Antonio Hart con quien pude hablar personalmente, un tipo amable, tuvo con el alto pasajes de desmesura y desmadre contenido, con estallidos de intensidad, su cuerpo se arqueaba en cada solo . Wallace Roney puso su propia impronta al instrumento diseminando en sus notas un relato único y sustancial centrado en el homenaje. Desde la banqueta del piano Cyrus Chestnut era el epicentro que aportaba situaciones musicales que llevaba hacia todos los lugares posibles haciendo que lo complejo suene fácil pivotando de lo suave a lo inflamable sin inmutarse. Rufus Reid sumo su oficio y un ritmo sólido y regular al esfuerzo en general y al resultado colectivo.
Conclusión : como decía el escritor Manuel Puig “ La única estética es la del talento” y aquí hubo mucho en cada noche. Que se repita

De izquierda a derecha : Jeff “Tain” Watts - Antonio Hart - Micky Almada - Wallace Roney - Cyrus Chestnut.

Crónica : IDJ

Programa Festival

COMO EN AQUELLOS TIEMPOS

2011-10-09T18:50:00.000-07:00

Con motivo de conmemorarse el 40 aniversario de una de las mejores bandas de jazz – rock , fusión o como se la quiera llamar ( para mi es música buena y de la muy buena ) Don Zawinul nos regala un pedazo más de la historia , un sonido que marcó la vida de muchos.
La banda en pleno poder de sus capacidades expresivas cristaliza una música única con cuatro personalidades formidables. Para quienes tengan 8:30 o los trabajos de estudio de aquella época ( y si no los tienen les pido como deber moral que los consigan ) todo lo narrado tiene un valor atemporal que radica en los climas y en la originalidad de lo expuesto.
Están contenidos en este cd doble, el repertorio de aquellos años, "Black Market", "Scarlett Woman" ( que en las re-ediciones que hicieron por los 90, no se a que “genio” de la discográfica, se le ocurrió quitar este último y editar el cd como single en vez de doble que era, cuando yo lo conocí ) "Young and Fine", "River People", y como no, "Slang" el solo de bajo de Pastorious, que lo colocó en la cima de los bajistas y músico a imitar por aquella generación de epígonos que lo adulaba.
¿ Quién no se imaginaba ser Jaco en esa época ? "A remark you made" , meliflua y emocionante; el fretless dialogando a dúo con Shorter y Zawinul articulando un entorno elegante y etéreo antes de decir lo suyo con el Oberheim, ( que recuerdos!!, antes uno se sabía de memoria todas estas cosas; que instrumentos tocaban los músicos, cuanto duraban los temas, si uno lo veía en vivo se sabía al dedillo donde cambiaba el solo, o que parte del mismo la habían hecho diferente, lado a, lado b , perdón por la digresión pero mientras escribo esto la mente se me llena de recuerdos y los ojos de alguna lágrima ) ; y el cd 2 es prolongación de lo anterior y cautiva hasta dejar exhausto al oyente.
Y como bonus de lujo, este concierto se editó también con el respectivo DVD.
Me es difícil ser objetivo , ya que todos estos temas están prendidos como lapa a mi memoria afectiva y este Live in Offenbach solo viene a corroborar lo que Weather Report era por aquel entonces, un super - grupo que generó una de las expresiones musicales más bellas, vigorosas y lúcidas que se hayan escuchado. Puro disfrute para escuchar, ver y dejarse llevar.-

Wayne Shorter (Saxophones)
Joe Zawinul (Keyboards)
Jaco Pastorius (Electric bass)
Peter Erskine (Drums)

Reseña : IDJ

SOUNDS AND SILENCE

2011-09-28T18:54:00.000-07:00

Los suizos Peter Guyer y Norbert Wiedmer han dado forma a este documental que viene a ilustrar como una pieza más, lo hecho, dicho y visto por Manfred Eicher en su aporte a la música en general desde un criterio estético único por parte de este gran hombre que un día decidió dejar el contrabajo a un lado y ponerse atrás del vidrio que separa a músicos de productores e ingenieros alegando que podía aportar su ultra profesionalismo contemporáneo mucho más desde ese lugar.
Para quienes entramos al jazz vía ECM ( mi caso y el de muchos de mi generación ) en un acto de clara honestidad; este documento visual no es algo menor.
Sounds and silence profundiza la sutileza y reafirma a su director como un elemento indispensable en la creación artística, como complemento y eje fundamental de la libertad que otorga a sus convocados; manteniendo casi siempre al silencio como consigna y a la tristeza como aliada en su busqueda de la belleza perfecta.
Quienes nos congraciamos en todos estos años con esa concepción de principios disfrutaremos de una temática que no decepciona, nunca cansa y siempre nos lleva a viajes mentales de dorada introspección y horizontes abiertos.
Como en el arte de la colaboración literaria Manfred logra que dos ( músico y productor ) sean uno y la conjunción funciona, vaya si funciona.

"He desarrollado mi talento para escuchar música con la ayuda de un método de escucha que me he impuesto, dice Manfred Eicher. ¿Cuál es ese método? No se explica pero sí su intención: aproximarse lo más posible a la realidad, al sonido que se puede escuchar dentro de la música y que las grabaciones, en su opinión, no reflejaban. Y es esa, desde luego, una de las características del sonido ECM, la pureza obtenida mediante el minucioso trabajo de elección de recintos, situación de la microfonía, balances, etcétera. A todo ello se añade el punto de intuición (desarrollada por muchos años de escucha) del productor. Un punto de genialidad equiparable al del solista que tiene ese algo más que otro aunque utilice las mismas herramientas de trabajo. "

Sounds and silence - Travels with Manfred Eicher (Peter Guyer y Norbert Wiedmer)
PD : Todo sea dicho : Se consigue en DVD y Blue - Ray lo malo es que no está subtitulado al español.
Reseña : IDJ

ENTRE MUNDOS

2011-09-12T08:15:00.001-07:00

Es imposible con la rapidez que todo se da a conocer y se consigue en internet , estar al día con la escucha de lo último. Diego Fisherman acuño una de las frases más hermosas que he escuchado para quienes pertenecimos a esa generación : "Antes un disco nuevo, era nuevo por mucho tiempo". Como dijo Dominic Miller, guitarrista de Sting, cuando estuvo en Argentina en Marzo : Los tipos ( por los que manejan el negocio de la música ) saben que el disco es un "souvenir" y lo que realmente importa hoy por hoy al músico es salir a tocar. Nos guste o no, tiene mucha razón.
Los tiempos cambiaron, pero en toda esta maraña de información que hay , la música no está exenta y uno siempre dedica un tiempo a ciertos nombres emblemáticos.
Henri Texier es uno de ellos, que no hay que dejar pasar en esta voracidad de trabajos nuevos que inundan la red.
En su última entrega la música es vehículo de distintas emociones que van desde mundos afables y esplendoros, "Tango Fangoso", "De Nada" a otros mas meditativos y profundos, "Tormentoso" , "Nigerian Sad Waters" .
Me parece más que destacable la labor de quienes lo acompañan; los duelos endiablados entre Bearzatti y Sebástien Texier en cortes como "Samba Loca"; el bello sonido de Codjia en "Louisana Dark Waters" o la base propicia de Christophe Marguet en "Ravine Gabouldin", suman para ser el sosten ideal de las ideas del contrabajista, trotamundos incansable, aglutinador de estéticas diversas, voz sabia que plasma en su música su rico lenguaje entre mundos diversos.
Canto negro crece a medida que se lo escucha y el efecto que provoca es el de estar hechizado; digo : puede gustar o no, pero ser indiferente jamás.

Henri Texier (Double Bass)
Sebástien Texier (Alto Saxophone, Clarinet and Alto Clarinet)
Francesco Bearzatti (Tenor Saxophone, Clarinet)
Manu Codjia (Guitar)
Christophe Marguet (Drums)

Reseña : Impronta de Jazz

PREMIACIÓN

2011-09-07T07:38:00.000-07:00

El Sábado 3 de Septiembre, participamos con el programa en la Vigésimo Primera edición del premio "Negrito Manuel", que se realiza en Luján, Pcia. de Buenos Aires, Argentina.
Con una gran alegría fuimos galardonados por el jurado, como "Mejor programa radial de Jazz" junto con "Jazzteria" programa colega de Buenos Aires del amigo Walter Cardozo".
Demás están las palabras en momentos como éstos ya que el júbilo y el entusiamo por seguir difundiendo esta música , hace que todo el camino recorrido, con sus claros y sus oscuros, siga valiendo la pena.

JOHN CAMPBELL

2011-08-28T13:59:00.000-07:00

En el programa de ayer, cerramos el mismo con este gigante del blues. Recuerdos imborrables de cuando conseguí este cd, por los ya lejanos 90. Impacto emocional y evocación de recuerdos casi al mismo nivel que con el gran Stevie Ray Vaughan. En la disquería ( esos lugares que jamás deberían desaparecer ) donde lo compré, siempre estaba la opción de devolverlo y llevar otro, sino te gustaba. Al día de hoy , mora junto a mis cd's de jazz y otras músicas. Un violero y cantante de la hostia.

JOHN CAMPBELL - SADDLE UP MY PONY

DICK OATTS - TWO HEARTS

2011-08-20T09:28:00.000-07:00

A pesar de haberlo sentido nombrar y leer sobre él en los 90, éste es un primer acercamiento a pleno por parte de quien escribe a la música de Oatts. El hecho tiene que ver con lo escaso y difícil que es encontrar sus trabajos por estos horizontes. Lo poco que escuché de él es una participación como músico de sesión en un cd de la cantante Renee Manning de nombre Uhm…Uhm…!! y su colaboración con Red Rodney , amén que tiene una carrera amplia como líder.
Este es su último trabajo grabado para la casa SteepleChase , cuya temática está planteada sobre un repertorio de baladas y ejecutando solamente el saxo alto en todo el registro.
Como profesional tiene la habilidad de comprender el pulso de las baladas y moldearlas a su manera. Con una presión casi inexistente de la rítmica que se despereza en cortes como "Yesterdays" y "Angel Eyes" , el sonido del saxofonista musita al oído del oyente un río eternamente tranquilo.
Hay pasajes muy sentidos, la versión de “We'll Be Together Again”, me hizo recordar a la que más me “piache” a mí que es la de Getz en sus conciertos de Estocolmo. Es justamente en los tempos lentos donde lo descubrimos como un enorme melodista, "Come Sunday" , "My Foolish Heart", "Darn That Dream", se introducen en las fronteras emocionales de cada quien ofreciendo glamour y sofisticación para los distintos estados de ánimo por el que nos lleva.
En resumen un albúm que equilibra introversión con calidez del detalle. Como sugerencia de color, música perfecta para arroparse en brazos femeninos.

Dick Oatts (alto saxophone)
Michael Weiss (piano)
Ugonna Okegwo (bass)
David Wong (bass)
Rodney Green (drums)

Reseña : Impronta de Jazz

COLTRANE : HISTORIA DE UN SONIDO

2011-08-13T07:08:00.000-07:00

Martin Heidegger en su famoso libro "Ser y Tiempo" decía que existen dos tipos de sujetos, "auténtico" e "inauténtico" : el primero era aquel que seguía y daba forma a sus convicciones, ideas, proyectos, el que se "desujetaba", en éste caso , de lo establecido por los cánones artísticos gritando su verdad a costa de lo que fuere y el segundo...bueno, ya lo conocemos por demás y no hace falta recalar más hondo.
Trane fue sin duda un personaje auténtico, alguien que impregno el éter con un sonido que hasta hoy nos deja sorprendidos, y éste libro publicado por el prestigioso crítico Ben Ratliff relata e intenta dar respuesta a cuestiones capitales que tanto aficionados como músicos o seguidores casuales del género se preguntan : ¿ Quién tomara el guante dejado por el saxofonista ? ¿ Cuáles son las implicancias de su obra más allá de jazz ? ¿ Es posible la aparición de alguien con el fervor la ambición y el apetito de perfección que el músico llevaba dentro de sí ?
El libro aborda la cuestión en dos partes, una primera fase desde sus orígenes, hasta la última donde sus registros evocaban la trascendentalidad y como a través de su música, nos invitaba a ver un cuadro más amplio de la vida que no llegamos a ver.
La segunda trata el legado y su afirmación en la historia del arte incluyendo opiniones y comentarios a favor y en contra, del estilo que marcó a fuego la identidad del jazz.
Lo cierto es que la estela dejada por John es enorme, solo como anécdota, hace poco pude conseguir un reportaje radial hecho al Dios de la música ambient “ Harold Budd” y en la pregunta sobre las influencias musicales que lo marcaron como músico lo cita a John Coltrane.
Una observación de rigor para quienes vivimos en este lado del mundo, se consigue en casi todas las librerías a muy buen precio. Para no dejarlo ir .-

Reseña : Impronta de Jazz

JASON ADASIEWICZ'S ROLLDOWN

2011-07-18T09:54:00.000-07:00

Song : "Hide"

EN PLENITUD

2011-07-12T17:25:00.000-07:00

Este compendio de 3 cd cuya edición más conocida es la que realizó Mosaic bajo el nombre “The Complete Candid Recordings of Charles Mingus ” ; tiene un punto más que a favor para el aficionado que vive por éstos pagos : el precio es sumamente menor a la inalcanzable edición del sello que viste sus recopilaciones de blanco y negro.
Otro dato de interés es que dudo que aquí se edite este trabajo ; entonces ustedes dirán ¿ donde está la gracia ? ; en que se puede pedir a sitios internacionales de venta on - line en $ 140 pesos argentinos más envío. Les aseguro, no está caro y vale muchísimo la pena, para quienes profesamos una fe ciega en el contrabajista.
Adentrándonos en la obra en sí , la música que se cocía en la cabeza del músico era monstruosamente moderna o si se prefiere, en un punto de definición, con un pie en la tradición y otro en la vanguardia.
Mingus en plena cumbre de sus capacidades creativas derrocha inspiración y Nat Hentoff ni lerdo ni perezoso sabía lo que tenía entre manos y lo convoca para que le diera forma a su estado.
CD 1 :“Charles Mingus presenta Charles Mingus” grabado como si fuese en vivo pero sin público en un estudio vacío y con una cuestión no menor presente en toda la obra : los acompañantes : Eric Dolphy , Ted Curson , Dannie Richmond y la ausencia de piano.
Citando las palabra de Ira Gitler en la reseña de esta primera muestra de aquellos años decía : “Una cosa que une a todos es la habilidad para comunicarse a través de un arsenal de emociones” .
CD 2 : Todo el andamiaje conceptual está en los casi 20 minutos del corte MDM [ Monk, Duke & Mingus ] . Poderoso y casi revolucionario, se plasma quizás uno de los pedidos del contrabajista hecho en su momento: total y absoluta libertad creativa, y si quieren darse una idea del resto de lo que viene, como decía Ted Gioia en su "Historia del Jazz" se puede enfocar la escucha atenta solamente en éste track y armarse la idea de lo que es el resto.
Es aquí donde aparecen los agregados que la edición de Mosaic no trae : “ Cliff Walk” y “T’aint’t Nobody’s Bizness If I Do” .
CD 3 : Para cerrar el círculo y quedar con nuestros oídos iluminados de placer, “Newport Rebels” , es un set en vivo en el estudio de grabación, un ficticio directo cuya idea original del líder más otros que se sumaron al pensamiento de no doblar el lomo y asentir al poder establecido, nace como respuesta al Festival de Jazz de Newport que había tomado aristas comerciales y de explotación hacia los músicos.
Lo más destacable es el cruce generacional entre Dolphy [ ya con un discurso firmemente establecido] y Eldridge el mejor trompetista de la era del swing.
El jefe de filas en plenitud absoluta de sus potencialidades fue uno de los que provocó un salto incesante para hacer avanzar la historia del género y en los registros comentados pervive su dictum. Muy recomendable

Micky Almada

Charles Mingus (contrabajo); Eric Dolphy (saxo alto, clarinete bajo, flauta); Roy Eldridge (trompeta); Ted Curson (trompeta); Lonnie Hillyer (trompeta); Booker Ervin (saxo tenor); Charles McPherson (saxo alto); Jimmy Knepper (trombón); Britt Woodman (trombón); Paul Bley (piano); Tommy Flanagan (piano); Nico Bunick (piano); Dannie Richmond (batería); Jo Jones (batería).-

PIEDRA BASAL

2011-07-05T06:24:00.001-07:00

Cuenta la leyenda que una noche –terminando la década del ’60 del siglo pasado en París, durante un recital, el saxofonista Roland Kirk se acercó al -entonces ya- gran Miles Davis, y le preguntó el porqué, en su música, acerca del cambio de dirección hacia lo eléctrico –refiriéndose a la nueva instrumentación con que jugaba por entonces: bajo, pianos y guitarras eléctricas.
La respuesta fue la esperable por Miles: “Tú lo sabes, siempre tenemos que cambiar…”
El propio Miles diría acerca de ese momento de su carrera, años más tarde en su autobiografía: “Yo quería cambiar de rumbo, tenía que hacerlo, pero sólo para seguir amando lo que tocaba y creyendo en ello”. Semejante declaración de amor y fe no se encuentra todos los días. Duke Ellington lo había bautizado alguna vez a Miles como el Picasso del jazz, y explicando su sentido: alguien que hizo de la búsqueda y el rechazo a los límites un leit motiv, lo que no siempre le jugó a favor de su música.
Bitches brew, grabado en 1969, una semana luego de finalizado el festival de Woodstock, se constituyó en el último paso de Miles para reinventarse y es considerado para muchos, el acta de nacimiento de un estilo que llegó para irse al cabo de algunos años: el jazz-rock, o como lo llaman los puristas el “jazz-fusión”. Lo real es que en todos los protagonistas de esta historia –los músicos- la sensación no sólo era no tener del todo claro lo que se estaba tocando durante los tres días que duró la sesión de grabación, sino también el estar a las puertas de algo nuevo. A punto tal, que el disco lleva un subtítulo que no es caprichoso ni egocéntrico: “Nuevas direcciones en música por Miles Davis”.
En los tiempos previos a la grabación de Bitches, Davis estaba inmerso y “atado” a su histórico quinteto, esto es: Miles, Wayne Shorter en saxos, Herbie Hancock en piano, Ron Carter en bajo y Tony Williams en batería; una formación que llegó alto en términos de sutileza, química mutua y creatividad. Pero hubo algo que llevó a Miles a creer que el círculo del quinteto estaba cerrado, así como en su momento abandonó el bebop para crear el cool y luego el jazz modal. Pero esta vez el salto lo llevaría demasiado lejos, a territorios poco explorados por él. Lo que se escucha a lo largo de las casi dos horas de Bitches Brew, es un plafón sonoro que se sostiene sobre todo en las “cortinas” de pianos eléctricos que tocan Chick Corea y Joe Zawinul (siempre fue un ‘gil’ Miles para elegir a sus músicos) más el aporte de John McLaughin en guitarra. Por sobre esa base, Miles toca desnudando un estilo que se reiteraría en la mayoría de sus discos posteriores a Bitches y cuya marca de fábrica es esta: la exquisita trompeta con sordina, sonando en cuentagotas y en soledad, casi apartada de los demás instrumentos; algo que también ocurría como un correlato de lo que sonaba en el disco, en las presentaciones en vivo de la banda. Miles a un costado, con el resto de los músicos en otras zonas del escenario, incluso como tocando otra cosa, quedando como una base necesaria para que resalte ‘la soledad del trompetista’. Como si luego de los años pasados, luego de haber probado todas las combinaciones posibles entre instrumentos, la soledad sólo fuera posible contra un fondo musical que tocan otros.
Alguien que confunde lineamientos morales con estilos musicales como Winton Marsalis, supo decir alguna vez (y debiera haberse lavado la boca con jabón primero) que el motivo principal del paso de Miles hacia el rock era querer conseguir chicas (si lo hubiera sabido a esto Charly antes de su disco).
Si lo hizo o no, no es motivo que entra en éste análisis, pero que pedazo de disco nos dejó para la historia. Y cuantas bandas –empezando por Weather Report, terminando por Dave Matews Band y pasando por tipos como Dave Holland- le deben “alguito” a este disco.

Escrito por Guillermo Almada
de su blog : http://el-parlante.com

ENTRE LA LIBERTAD Y EL SONIDO

2011-07-01T08:25:00.000-07:00

Con una propuesta que se aproxima al Free para de ahí profundizar aún más la consigna; Julian Bonequi atiende y da curso a planteamientos condescendientes con esta estética en su sello discográfico virtual "Audition Records".
Con la pulsión implícita de dar a conocer formas musicales nuevas que no tienen asidero, quizás, en sellos convencionales, Julian ha emprendido un camino dignísimo dentro de la historia.
Su idea nace en Enero de 2010 y como él mismo explica, el concepto es darle un espacio libre y abierto, a la música improvisada y la experimentación.
Con excelente presentación y sobriedad, distintos artistas de diversas esferas han visto, a la luz de lo dicho, la materialización de su primer trabajo o proyecto trunco con una fructífera acojida por parte de quien lo dirige.
No dejen de visitar este sitio diferente que siempre tiene la puerta abierta para absorber e instrumentar nuevas ideas, entre la libertad y el sonido.

www.auditionrecords.com

Título extraído del concepto vertido en la página del sello.

Comentario : Impronta de Jazz

AHMAD JAMAL TRIO

2011-06-26T16:02:00.000-07:00

Darn That Dream 1959

EL FUEGO CALMO

2011-06-07T17:53:00.000-07:00

Esta gema de solo 4 cortes se grabó en el mes de enero de 1983, más precisamente en Bologna y editada en su momento por el sello Italiano Red Records.
Con dos composiciones propias de Shaw y dos standars, el trompetista se muestra pleno e imperturbable sin perder el toque innovador , talentoso e inmanente que lo caracterizó.
Abre "From Moment to Moment", una balada en donde más de una vez he confundido el sonido del trombón , al comienzo de la misma con el del bajo de Jaco Pastorious, en temas como "A Remark You Made" del 8:30, escuchado hasta el infinito, por este servidor.
A pesar de su larga duración nada es inadecuado, y todos los componentes que acompañan al líder tienen su espacio para decir lo suyo, sin pirotécnia chabacana, ni virtuosismo vacuo.
El aroma caribeño y vivaz que aporta Turre con su caracolas ( Haitian Shell ) otorga un marco diferente al proyecto que con natural propensión redondea la idea final con "You And The Night And The Music" y "W'll Be Togheter Again", esta última exquisita y conmovedora; para escuchar atento la línea estilística de Woody, fiereza contenida, fuego calmo, artesano del sonido, profundo y elegante.
Un músico de la hostia que, a mi modo de ver la historia es poco valorado como tal en cuanto a su aporte, y que como dijo Dizzy Gillespie de él " Woody Shaw es una de las voces del futuro, no del futuro.....del presente".

Woody Shaw, Trumpet
Steve Turre, Trombone, Haitian Shell
Mulgrew Miller, Piano
Stafford James, Bass
Tonny Reedus, Drums

Reseña : Impronta de Jazz

JAZZ & "Ñ"

2011-05-31T09:39:00.001-07:00

El suplemento de cultura de Clarín acaba de lanzar una excepcional colección de artistas claves de jazz, desde su costado más amigable para el aficionado avezado o el principiante curioso.
Un informe especial acompañado con escritos claros y didácticos; hay una revisión muy pormenorizada desde los comienzos hasta la realidad actual donde se leen con placer los textos de Carlos Sampayo, Diego Fischerman [ a estar atentos pronto a editar su libro "El Jazz. Historia y estética" ] Guillermo Bazzola, Miguel Bronfman [ lo mejor para mí acerca del Free ] una encuesta con respuestas internacionales y nacionales sobre cuales fueron los momentos más importantes en la historia del género y la recomendación de libros en castellano, también muy loable ese informe. Consejo de amigo : No lo dejen pasar.

Comentario : Impronta de Jazz

Pablo Ledesma + Erling Kroner

2011-05-21T19:19:00.000-07:00

Open letter to Jimmy Knepper

NUEVO DÍA Y HORARIO

2011-05-05T08:38:00.000-07:00

Ha sido un comienzo de año accidentado para el ciclo que conducimos , perdimos la linealidad que veníamos trayendo los 3 años anteriores, que llevó a un necesario cambio de horario, como consecuencia de la cantidad de partidos de fútbol que se juegan los fines de semana.
Hemos trasladado el programa a partir de mañana Viernes 06 de mayo , de 22 a 23 hs. Los espero y mi agradecimiento a todos los que se comunicaron.-

LIRISMO DEPREDADOR

2011-05-03T16:15:00.001-07:00

Este es un trabajo que para mí logra esa síntesis tan buscada por los artistas a la hora del homenaje: estar bien armado conceptual y musicalmente para encarar el recuerdo de quién fue único e inimitable ( Bird en este caso ) y que la intesidad de las interpretaciones devenga en simpleza y buen gusto. Ambas situaciones son logradas de sobremanera.
Cerrando los ojos y dejando que fluyan en el eter, "Everything Happens To Me", "What Is This Thing Called Love"o "Lover Man"; surgen como poemas en su esplendor virginal como si nunca antes las hubiesemos oído.
La simbiosis entre ambos músicos es sorprendente y hay una actitud de certeza arrolladora cuando dialogan desde la sencillez para conseguir nuevas formas de composiciones recreadas a través de la historia del jazz de manera casi ininterrumpida.
A pesar de su atormentada vida Max Urbani nos regala en cada corte un lirismo depredador que encuentra en Melillo, el complemento ideal para esta obra mayúscula.

Massimo Urbani (Alto Sax)
Mike Melillo (Piano)
Reseña : Impronta de Jazz

FIN DE PARTIDA

2011-04-21T08:54:00.001-07:00

Como excusa de haber adquirido recientemente el box-set mencionado, después de haber estado discontinuado, y difícil de conseguir, pude encontrarne con él luego de una búsqueda y una persistencia ciega.
Como decía un viejo amigo, colega radial, contra el convencimiento no hay nada que hacer. De escucha obligatoria para cualquier aficionado bien nacido, esta edición es una plusvalía en sí misma, no solo por lo dicho en aquellos años por el pianista sino también por el criterio de la selección.
La edición que está en curso, como comentario estético, a diferencia de la que salió en su momento es la que se conoce como Long-Box y no es la pequeña que yo conocí en el formato disco-libro. Esta crítica excelente la realizó el escritor Stéphane Ollivier al momento en que veía la luz esta recopilación y fue publicada por la revista Los Inrockuptibles en 2001. Una revisión que intenta abarcar la totalidad de aquellos tormentosos años del Monje , aquel como decía Kant, que en su condición de genio daba sus propias reglas al arte. Sin desperdicio.-

Se recopilan y se reeditan los años Columbia del gran Thelonious Monk,
una época muchas veces incomprendida en la carrera del pianista, apresuradamente juzgada como repetitiva y monótona. Las últimas llamaradas de un genio antes de los destrozos de la locura y el mutismo definitivo.

Si Thelonious Monk pertenece definitivamente a la leyenda del jazz y se impone, más allá de los estilos, como uno de los genios menos discutibles de la música del siglo XX, el largo período que pasó en el seno del sello Columbia, que cubre aproximadamente los años 60 y marca el apogeo de su reconocimiento público, permanece paradójicamente como el más controvertido de su trayectoria. Una franja bastante importante de críticos adquirió en efecto la costumbre de reprocharle al pianista, en ese instante delicado de su accidentado itinerario, diversas tonterías: una repetición temática, sintomática, según ellos, de un empobrecimiento de la inspiración; un encogimiento monomaniaco alrededor de la fórmula canónica del cuarteto en detrimento de la diversidad orquestal; una falta crónica de personalidad, finalmente, de parte de sus acompañantes, como si Monk (¿cansado?, ¿satisfecho?) se resistiera en lo sucesivo a aventurar su universo al riesgo de lo otro.
En resumen, sus detractores (muchas veces monkófilos convencidos) condenan la faceta repetitiva y progresivamente monótona de una música cada vez más prisionera de su poética, presentándola muchas veces como altiva en su torre de marfil, totalmente indiferente a las revoluciones circundantes que, desde el deslumbrante free jazz hasta la aparición del pop, iban a metamorfosear por completo, sin duda, el paisaje musical en el transcurso de la década, sin que en ningún momento esos sobresaltos estéticos encuentren eco en su universo.
Sin embargo, ¿cómo adherir plenamente a esas críticas? ¿Cómo imaginar que Monk, después de pasarse más de quince años elaborando en completa confidencialidad en una suerte de fiebre creativa nunca satisfecha- una música auténticamente revolucionaria, singular e inimitable, pierda de golpe el control y se encierre, cuando apenas acaba de conocer la gloria, dentro de un sistema cerrado y estéril? ¿Cómo aceptar ver el absolutismo de sus propuestas radicalmente alternativas, hasta entonces pruebas indiscutibles de su talento, de pronto considerado, a través de una inversión de valores, como la marca infamante de los límites de un universo incapaz de renovarse? Algunos, para acreditar la tesis de una decadencia, no dudan entonces en hablar de su locura latente desde siempre pero cuvas primeras manifestaciones públicas comienzan en esa época a perturbar su vida social y a preocupar a los que lo rodean.
La demostración se vuelve irrefrenable: si Monk se encierra progresivamente en el universo musical cada vez más mezquino que describen, es que la esquizofrenia insidiosa que iba a llevarlo al mutismo destruye los últimos vestigios de su personalidad. Esos años Columbia no pueden pensarse a partir de eso más que a la sombra de la locura, y desarrollarse, monótonos, como la crónica de una decadencia anunciada. Evidentemente, ese guión caricatutesco no resiste a la escucha y al análisis de las obras, porque si bien la locura gana terreno durante esa época, Monk nunca pierde el dominio de su arte. Sin embargo, no se puede evitar: ese momento paradójico de su discografía sufre de una clase de sospecha crónica: ¿madurez o rezongos seniles? ¿ Trayecto hacia la depuración formal o progresivo encierro en un sistema enfermo, cada vez más automático?
Una excelente antología de tres discos que ofrece un panorama temático de esos años difusos, a la que se suman dos suntuosas reediciones - que rinden cuenta magistralmente del nivel de intensidad realmente alucinante que podía alcanzar esa música en vivo -, llega en buen momento y vuelve a poner en perspectiva lo que, de todos modos, demuestra ser el último gran período de creatividad del pianista. Hay que revisar rápidamente la trayectoria anterior de Monk para comprender las cosas decisivas que están en juego aquí. Si bien, a partir de su aparición a mediados de los años 40, se impone rápidamente entre los jóvenes del be bop como uno de los músicos más talentosos v definitivamente singulares de la nueva escena, durante varios años su carrera caótica va a permanecer confinada a una suerte de confidencialidad admirativa. Y si bien el pianista es considerado muy rápidamente como un genio entre sus pares, seguirá siendo durante mucho tiempo para el público un músico raro, adepto a una modernidad plagada de arcaísmos, de armonías disonantes y melodías angulosas y laberínticas de encanto perturbador, definitivamente diabólico.
Grabando irregularmente para oscuros pequeños sellos, hoy en día míticos gracias en parte a las obras maestras que generó para ellos (Blue Note de 1947 a 1952, Prestige de 1952 a 1954, y luego, a partir de 1955, Riverside), Monk es por entonces un desconocido célebre, tan misterioso como inevitable. Es más, habrá que esperar hasta 1957 para que su carrera tome de pronto una nueva dimensión. Recuperando su cabaret card, confiscada en 1951 por sórdidos asuntos de drogas, Monk puede tocar de nuevo en los clubes de su ciudad, Nueva York. Empieza a presentarse de inmediato en un pequeño club del Lower East Side, el Five Spot, a la cabeza de un nuevo cuarteto en el que explota el atormentado lirismo de un joven saxofonista en plena revolución estilística: John Coltrane. El encuentro funciona y el éxito es considerable.
De golpe, Monk sale de las sombras y las cosas se precipitan: Monk encuentra en Orrin Keepnews, productor del sello Riverside, al interlocutor que le faltaba y graba en unos meses algunos de sus discos más hermosos ( Brilliant Corners, más que nada), es elegido músico del año por los críticos de Down Beat y ve crecer su fama por todas partes, tanto en el interior como en el exterior del país. Monk se convierte en el ídolo de los entendidos. Las cosas se han puesto en marcha. En medio de esa dinámica, firma en 1962 con Columbia, el gran sello de la época. Con 45 años, por fin encuentra la consagración e inaugura indudablemente una nueva etapa de su carrera.
De hecho, ese período de madurez coincide con la llegada a la orquesta de Charlie Rouse, el interlocutor ideal para Monk, que está en busca de estabilidad: un saxofonista de estilo al mismo tiempo vehemente y aterciopelado, anguloso y curiosamente etéreo; una suerte de soñador terrestre que se insinúa como ningún otro en la lógica laberíntica de sus armonías, esquiva con gracia sus trampas rítmicas, perfectamente cómodo en los meandros de esas melodías falsamente rengas de equilibrio inestable de las que Coltrane decía: "¡Pifiar un acorde es como caerse por el hueco del ascensor!". Rouse será hasta 1970 será la base del cuarteto de Monk, su más fiel compañero, aquel con el cual el pianista podrá por última vez retomarlo todo desde cero. Porque si bien, en efecto, Monk se contenta a partir de ese instante cae hurgar en su propio repertorio para encontrar su materia prima se dedica paralelamente a una reorganización radical de su orquesta muy poco percibida en la época, modificando los ejes principales, conmocionando los equilibrios, acaparando cada vez más la posición de solista, convirtiendo al saxofonista en un elemento de la sección rítmica - en resumen, reinventado literalmente la estética del cuarteto. Y lo que se impone al oyente de hoy es realmente la sensación de que, detrás del aparente clasicismo de esas nuevas versiones, más allá de la impresión superficial de "ya escuchado", Monk continúa innovando y abriendo nueras perspectivas para su música, trabajando no su materia sino su herramienta.
Finalmente, esos años Columbia, lejos de ser esa fase de estancamiento tan habitualmente caricaturizada, se presentan por el contrario como un momento fundamentalmente dinámico de la trayectoria del pianista. Aquel en el que Monk, en contra de la corriente, sin preocuparse por las modas y las convulsiones dd mundo musical que lo rodea, decide regresar sobre su carrera y revisitar, por última vez, sus territorios. No por pereza o falta de inspiración, sino para echarle una mirada nueva, crítica y hacer surgir de allí una belleza inédita, hasta entonces realmente inaudible.

Stéphane Ollivier
The Columbia Years (1962-68)
Live At The Jazz Workshop
Monk In Tokyo
Intro: Impronta de Jazz

MÚSICA PLETÓRICA

2011-04-07T08:17:00.001-07:00

He comentado en otra oportunidad la solidaridad de este pianista. El hecho de que cuando en Argentina ( la periferia ) se diluyó lo obvio, el 1 peso : 1 dolar [ los 90 ] el derrotero del aficionado se volvió pesado como roca en cuanto a la extinción por completo de sellos que entraban al cambio comentado.
Quien escribe estaba en los comienzos de un embrión radial que iba tomando forma como lo que se conoció después, Impronta de Jazz.
En aquellos días estaba al tanto de Amsallem a quien le intentaba seguir el rastro. La web no era entonces lo que es ahora, un espacio donde uno pone cualquier palabra y se descarga sin más lo que quiere; discusión de criterios aparte.
Esta intro que hago para ubicar en tiempo y espacio al lector, es el hecho que cuando compré este cd, caro ya en precio por el contexto descripto, en la contraportada incluía como dato el mail del músico.
Me atreví a escribirle y obtuve una respuesta inesperada. No solo me respondió el mismo día agradeciendo los conceptos vertidos, sino que a la semana, desde Brooklin donde al menos sé que estaba establecido me mandó otro mail solicitandomé la dirección de mi casa, para envío de info y tours que daba en ese momento. Al tiempo me llegó no solo lo que me dijo sino que solapado en un fino cartón se encontraba original su trabajo "Summertimes".
Les aseguro debe ser menos del uno por ciento de los músicos que tienen este tipo de predisposición para con sus seguidores. Al día de hoy mantengo contacto con Franck, un tipo super-amable.
Ahora sí adentrándonos ya en la reseña , las notas internas comienzan con una certeza : "Amar el Jazz, es amar la experiencia del Jazz en vivo, si es posible y grabarlo".
A partir de esta premisa se plantea una miríada de situaciones que solo se logran con músicos muy bien aceitados en el oficio y un líder que sabe muy bien hacia donde se dirije.
"On Second Thought" el corte que abre y da nombre al CD, comienza con perfumes coltreanos, el sonido de Tim Ries nos lo hace saber en el soprano. El despliegue general propone un enfrentamiento musical constante, incesante y equilibrado, no hay puja de egos acá, nos encontramos con un Amsallem complaciente con sus compañeros en beneficio del resultado final.
"Chanson Triste" es poesía que fluye, sobrio, claro, su in crescendo provoca temblores emocionales de una manera elegante, con una corriente de fuerzas interiores y exteriores homogéneas y constantes, nada se desborda de su cause.
"Thirty Two More Bars to Go, Indeed" y After", reflejan la maduración del pianista en su manera de componer [ todos los cortes son de su autoría ] hay ricas implicaciones y bien valen la pena los 65'31" que dura el trayecto. En éste caso no se echa de menos la larga duración de las mismas, nada peca de exceso.
Cierran dos cortés más, con nombres ( esa es otra característica ) tan largos como la duración de los mismos, que redondean la concepción estética del momento en que se creo .
La escucha podríamos definirla a partir de esa verdad de la microfísica, la del el experimentador ( oyente ) que forma parte del sistema experimental ( música ) .
Si desean escucharlo a Franck en un entorno anterior y diferente , ejecutando un blues de manera implacable, no dejen pasar por alto a Danny Gatton - Hot Rod Guitar: The Danny Gatton Anthology (1999), en el tema "After Hours". Sin palabras.

Franck Amsallem - Piano
Tim Ries - Sax Soprano & Alto
Marc Miralta - Drums
Johannes Weidenmuller - Bass

Reseña : Micky Almada

NUEVOS VIENTOS

2011-04-01T07:32:00.000-07:00

ECM comenzó el año, presentando nuevas incorporaciones. Un trio suizo que promete nuevos vientos en el sonido del jazz europeo. He tenido la posibilidad de escuchar el trabajo completo y me pareció original y variado en cuanto a los intereses musicales propuestos . Rruga, da título al álbum que significa "Camino o viaje" en albanés.
La foto de la portada, cristaliza el nombre del trabajo con la poética visual tan personal y reconocible a la que el sello nos tienen acostumbrados. Para muestra sobra un botón.

Colin Vallon - piano
Patrice Moret - double-bass
Samuel Rohrer - drums

CUENTOS, NORUEGA y ECM

2011-03-28T07:53:00.000-07:00

Quienes nos regodeamos en el placer de la lectura acompañandos por un buen disquito y una silla lectora ( si es de las que se balancean más conocidas como las del abuelo, mejor ) sabemos lo que es degustar cada palabra y arroparse en los sonidos como complemento. En mi último viaje a mi Córdoba, por recomendación de la revista 23, de la que soy asiduo lector, le ponían 5 zapatitos ( la calificación ) a este libro. Sin más, colectivo, centro, compra del libro.
Al empezar a leerlo comenzaron las asociaciones sonoras y sin mediar discusión ni contradicción mental, algo muy raro e imposible de eludir en cualquier ser humano cuando se habla a sí mismo desde los pensamientos; se me vino cual caricia silenciosa "Bobo Stenson - Goodbye". Podría haber sido cualquier otro del mismo sello y la compañia sería perfecta igual.
Recomiendo se acerquen a este ermitaño bendito. Tanto libro como prólogo de Fogwill no tienen desperdicio. Y recuerden el gélido e introspectivo murmullo de cualquier ECM, los abrigará de placer suplementario. Me quedo con una frase del cuento que abre el libro : " Cuando morimos, al menos dejamos de contradecirnos" . Chapeau!!

CUENTOS REUNIDOS - KJELL ASKILDSEN

Como Stieg Larsson y Hening Mankell, Kjell Askildsen (Noruega, 1929) es parte del boom de la literatura nórdica contemporánea en los países de habla hispana. Cuentos reunidos, parte de sus opera omnia juiciosamente seleccionadas y prologadas por Fogwill -quien algo supo de escritura, lecturas y escritores-, lo representa en genio y figura. Indiferente a la crítica y huraño, Askildsen demuestra en cada short story una técnica impecable y una capacidad ilimitada para seducir con argumentos apenas diferentes unos de otros y personajes sin rostro, inmersos en un mundo hostil, absurdo; encerrados en relaciones desdichadas: matrimonios aburridos, paternidades obligadas, amistades rencorosas, traiciones cotidianas, demostraciones de ternura fácil. Por la extensión, se trata de relatos más o menos breves. Y quizás sean los más cortos los más logrados o, mejor, los más "brillantes". Es en este sentido que "Carl" funciona como recomendable botón de muestra: apenas página y media, y todo el universo askildseniano, como tallado con escalpelo, salpimentado por un humor cáustico y una ironía ejemplarizadora, que escudriña lo que se oculta bajo la suave piel de las convenciones.

Intro : Micky Almada
Reseña : Vilma Colina
Revista 23 Nro: 655, pag : 14
Edición Córdoba

OBITUARIO

2011-03-15T07:43:00.000-07:00

Joe Morello, el baterista del Cuarteto de Dave Brubeck, uno de los grupos de la música jazz más populares de los años 50 y 60, murió el sábado 12 a los 82 años en su casa de Irvington (Nueva Jersey), informaron hoy medios locales.. Morello, que nació con una falla a la vista, estudió violín y siendo muy joven alcanzó a tocar como solista con la Orquesta Sinfónica de Boston. No obstante, a los 15 años de edad decidió estudiar batería. Tuvo excelentes profesores uno de los cuales, George Lawrence Stone, se impresionó tanto con el joven baterista que le dedicó un libro/método sobre ese instrumento. Joe Morello se trasladó a Nueva York donde trabajó con Stan Kenton, Phil Woods, Marian McPartland, Jay McShann, Art Pepper y otros, antes de integrarse al cuarteto de Dave Brubeck, con quien permaneció por más de 12 años. En Morello. Brubeck encontró al baterista ideal con quien compartió las ideas de incorporar al jazz nuevas y complicadas notaciones rítimicas. Joe Morello se hizo famoso mundialmente por su trabajo de percusión y su solo en la composición de Paul Desmond (otro integrante del cuarteto) Take Five, escrita en 5/4, que ha vendido millones de copias hasta el día de hoy. Otros ejemplos de sus solos en ritmos complicados se encuentran en Unsquare Dance, escrito en 7/4, donde usa las baquetas sin pegarle a ningún tambor; Blue Rondo A La Turk, y Pick Up Sticks. Morello grabó más de 120 álbumes, de los cuales 60 fueron con el cuarteto de Brubeck. Después de abandonar dicho grupo, Joe Morello trabajó intensamente como músico, profesor y escritor. Publicó varios libros para aprender la batería y ganó un alto número de galardones. Este extraordinario baterista será recordado como uno de los grandes del jazz "moderno".
El Sábado bloque homenaje con uno de los cortes clásicos "Take Five", que según notas de carpetilla el mismo Brubeck admite que originalmente había sido planteado como una composición donde se lucía la batería y quizás no tanto el resto. Pasó a la historia como un standar reconocido y un logro por parte del conjunto que participó en dicha sesión.

ÚLTIMOS PASOS

2011-03-09T07:24:00.001-08:00

El encuadre conceptual de éste trabajo tiene un punto a favor, todas son composiciones originales y no hay ningún standard, algo de lo que Powell no reniega y lo deja escrito en las notas internas " No me malinterpreten, amo los standars, pienso que todos lo saben".
No hace falta reflexionar mucho sobre éste punto por parte de alguien que formó parte de la orquesta de Basie y tiene tras de sí un historial que deja perplejo a cualquiera; pero su entusiasmo y vigor radica en la compañía que lo secunda.
Agradecido por estar cotejado por músicos a quien ama y admira, el trombonista deja que el material compositivo sea mayormente compuesto por el saxofonista TK Blue quien explota sus virtudes en cortes como "Another Blue" ( para quien escribe, lo más logrado ) "The Caribbean Express" con ritmo a tono con el título, o "The Towship Diary" donde expresa y explora sus orígenes Sud-Africanos.
Sayuri Goto aporta lo suyo al proyecto, "Best People"y "Akiha" proveyendo estas dos composiciones que suman un lenguaje afín cargado de optimismo y alegría, situación que sobrevuela en los 10 temas aquí expuestos.
El líder propone dos cortes: uno de autoría propia "You got it" y el otro con ecos afectivos pasados, escrito por su ex-esposa Petsye Powel cuyo título "I tried and tried", algo como "Lo intento y lo intento" posee la ductilidad del toque de la pianista nipona y conserva el discurso narrativo del conjunto de los aportantes. A pesar de darle libertad compositiva a sus colaboradores, quien comanda la idea total y su resultado es Powell.
No debe dejarse de agradecer la aparición de Billy Hart en la batería, músico de aquellos que como el líder ha forjafo un camino y está bien constituido en los anales de esta música.
Con un sonido flexible y elástico Benny Powell dió sus últimos pasos con un trabajo logrado y muy representativo del mejor jazz, algo no menor para alguien que fue testigo y participe activo de la historia de éste genero.

BENNY POWELL trombone
TK BLUE alto/sop. saxophones, flute
SAYURI GOTO piano
ESSIET O. ESSIET bass
BILLY HART drums

RESEÑA : Micky Almada

EN EL AIRE

2011-03-01T17:11:00.000-08:00

Comenzamos el octavo año con el programa; nuevo día y media hora más. Este Sábado 5 en el dial de siempre y por internet, a partir de las 19:30 hasta las 21:00 hs, con la ( a nuestro criterio ) mejor música y comentarios afines, los espero.

www.radiolv15.com.ar
Am 640 - FM - 99.9

SUMMERTIME

2010-12-31T08:41:00.000-08:00

ERNESTO JODOS - MILO

2010-12-21T05:00:00.000-08:00

Es uno de los mejores pianistas del jazz actual, su trabajo "El Jardín Seco" está entre lo más logrado de esta música, con un nivel de vuelo compositivo y creativo muy personales. La composición ejecutada aquí, pertenece a su trabajo "Perspectiva" grabado en su momento para el sello S'JAZZ.-

Ernesto Jodos, piano.
Nelson Arriagada, contrabajo.
Félix Lecaros, batería.
Thelonious, Santiago de Chile.
Agosto 2005.

BLUES Á LA TRANE

2010-12-15T05:14:00.001-08:00

Éste proyecto llevado a cabo por un músico genial , nace sin haber sido planeado de antemano. Para alguien como Liebman que a estas alturas de su carrera esta más allá del bien y del mal; éste debe ser un ejercicio cotidiano al que debe estar más que habituado.
En 2008 de gira y presentandosé con un programa dedicado a composiciones de Kurt Weill y Alec Wilder, nace este impase, a partir de un concierto en el "De Singer jazz club", un pequeño club en la localidad de Amberes en Bélgica.
El ambiente del mismo y la libre asociación de ideas, lo lleva a pensar en tocar repertorio diferente basado en sonidos nocturnos. Así comienza la historia de lo que devino luego en homenaje a John Coltrane y que Kris Roevens [ bendito él ] registró aquella noche.
El trío tiene espesor y continuidad en el fluir de la propuesta en la cual el saxofonista se mantiene impoluto a la imagen que le devuelve el espejo en que se mira : la de Trane.
Sin embargo aquí no hay gestualidades repetidas; el líder que vela por la tradición Coltreana que nadie debe mancillar, posee un discurso auténtico que lo aleja de la gigante sombra de su temprana inspiración.
Amén que el trabajo abre con "All Blues" el clásico de Miles y cierra con "Take the Coltrane" de Ellington; la sonoridad de David remite a la de su maestro y ahí radica su mérito. Excelente disco de final de año y de los que vendrán.-

David Liebman (soprano and tenor saxophones)
Marius Beets (bass)
Eric Ineke (drums)

Reseña: Micky Almada

IN SESSION

2010-12-08T15:38:00.000-08:00

Estas fotos pertenecen a una sesión de grabación realizada en Marzo de 2000 en Estudios Moebio, Buenos Aires correspondiente a un trabajo que, al día de hoy, no ha visto la luz entre Agustí Fernández (Piano) Pablo Ledesma (Saxo Soprano) y Mono Hurtado (Batería).
Tres músicos de calidad contrastada, se unen en un proyecto para gestar (lo suponemos desde lo que intuimos por el historial de los tres) una música libre en sus formas, como la que prodigan en sus trabajos y proyectos personales. Lo recalcamos, es solo una mera hipótesis sobre lo que imaginamos al no tener el material.
Solo podemos deducir desde la observación de las mismas, un clima amable y reflexivo, con tres músicos a gusto con la situación planteada. Pablo me comentó que la inversión para dar a conocer este tipo de música tiene un costo alto, del cual no se recupera nada, debido al poco interés del público.
En un mundo que globaliza el aplanamiento y el distanciamiento cultural en todos los órdenes imponiendo un tipo de arte que ya está decidido de antemano, no podemos esperar otra cosa.
Queda sí, la actitud constante de "militancia", al menos desde mi humilde lugar y de quienes quieran hacerlo, de difundir este tipo de música.
Un agradeciemto a Pablo Ledesma por su infinita solidaridad para quienes a partir de la radio divulgamos sus trabajos y a Argamonte, quien gentilmente me pasó las fotos.

Agustí Fernández - Barcelona, España
Pablo Ledesma - La Plata
Mono Hurtado - Bs. As.

Comentario: Impronta de Jazz

LA SENSIBILIDAD

2010-11-28T12:38:00.000-08:00

Ernst Glerum (1955) estudió contrabajo clásico en el Conservatorio de Amsterdam. Durante sus estudios se incorporó a la música contemporánea en conjuntos como "ASKO Ensemble" así como en grupos de música improvisada [ Curtis Clark, Hans Dulfer, JC Tans ] . Con el Amsterdam String Trio y el Instant Composers ha tocado en muchos escenarios internacionales. Acompañado por un joven pianista que desconozco su nombre nos deleita con una brillante composición. Como reza su nombre, impresionista.

AMNESIA COLECTIVA

2010-11-16T06:58:00.000-08:00

Fernando Vargas Valencia, poeta colombiano y amigo generosamente me informa de su nuevo proyecto, "Épica de los desheredados". Me llena de satisfacción su palabra y su accionar comprometido políticamente con aquellos que la sociedad nunca escucha. En estos versos las palabras gritan deseosas anhelos de justicia, fieles testigo de lo escuchado, observado y vivido por el autor. Un poemario que escoge el mejor camino para desear un mundo diferente.
"La sociedad no puede emanciparse sin emancipar a cada uno de sus individuos"

Friedrich Engels

SOBRE "ÉPICA DE LOS DESHEREDADOS" DE FERNANDO VARGAS VALENCIA.

Por: Fernando Cely Herrán

Recorrer los versos de este poemario es aproximarse a ese país permanentemente e intencionalmente evadido por la acostumbrada amnesia colectiva. Ríos de sangre y brutalidades humanas que enfrentan pueblos y veredas de remotas y cercanas geografías. Conmovedor compromiso del poeta al rescatar estos episodios que forman parte de una historia aún no escrita; testimonio asumido desde las voces que el juglar escuchó personalmente en sus periplos como jurista y guardó en sus retinas para convertir en versos bien logrados, las miradas absortas y perdidas, los impotentes recuerdos asumidos para que no se los trague el olvido.

Fernando Vargas Valencia, en su proceso de crecimiento poético, depura su acostumbrada sensibilidad, para brindarnos un nuevo trabajo esmerado y cuidadoso; nos compromete a la profunda reflexión frente a la “normalidad” que a diario nos presentan los medios de comunicación y nos invita a ser voceros permanentes de las comunidades que afrontan la barbarie.

EL SALADO I

“Los paramilitares que hace nueve años participaron en la masacre ocurrida en "El Salado (Bolívar)" obligaron a varias mujeres a desnudarse y bailar delante de sus esposos o padres, que después fueron asesinados”. Periódico El Tiempo.

La vergüenza de bailar
ante tantas miradas.
La vergüenza de mi piel desnuda
cuarteada por las sombras
de las aves tuertas.
El miedo que eriza mis senos
y que me hace temblar.
No puedo bailar así,
no con este olor a pólvora
y a muerte pospuesta.
Sé que voy a morir
y no quiero hacerlo bailando.
Mi madre me enseñó la danza
como juego de cortejos.
Nunca me habló de esta preñez fúnebre,
de esta sensación de terrible soledad sin música.
Este ejército de hombres
va a arrojar la rabia en cualquier momento.
No puedo, no quiero bailar
si la música es un golpe de luz
en la boca abierta de la noche.
Las ráfagas prometen venir pronto
y me parece demasiado impuro
recibirlas danzando.
No, no quiero bailar desnuda
si mi padre me observa.

Fernando Vargas Valencia - Épica de los Desheredados

Intro : Micky Almada

THE ONE AND ONLY

2010-11-13T17:34:00.000-08:00

James Moody de 85 años ha revelado que ha sufrido de cancer de páncreas desde principios de año. El saxofonista decidió motu proprio no recibir quimioterapia o radioterapia. Es una de las leyendas vivas del jazz. Veremos como se desarrollan los acontecimientos.
Quienes quieran obtener más información y enviar buena vibra, lo pueden hacer a : www.JamesMoody.com

Impronta de Jazz

BLACK POWER

2010-11-08T08:07:00.000-08:00

Política y música , arte y política, lucha de clases....Pasando un peine fino a éstas cuestiones y teniendo en cuenta que hacemos actos políticos desde que nos levantamos hasta que nos acostamos; [ aunque nos quieran hacer creer lo contrario ] ambos elementos son indisociables.
Reproducimos un extracto de un libro capital para entender la ideología del free y sus consecuencias en el campo artístico como hecho social. Se analiza meticulosamente la dominación y apropiamieto de esta forma del jazz por parte del hombre blanco y su injerencia luego en la toma de decisiones estéticas para la comercialización cambiando sutilmente la antigua forma de esclavismo para con los negros.
Música generada por oprimidos y producida por el sistema capitalista, el mismo que los explota. Hay...!! si Marx lo hubiese leído..
"Como entender una promesa desde un País que hablaba de cumplir sueños de igualdad contraponiéndosé a la pesadilla de los sombreros de forma puntiaguda del Ku-Ku Klan "(1)

EN LOS MARGENES DE LA HISTORIA DEL JAZZ

«Pienso que la música, en tanto que expresión del corazón humano, e incluso de todo el ser humano, expresa lo que ocurre. En mi opinión lo expresa todo... toda la experiencia humana, en el momento preciso en que ésta se halla en trance de expresarse.»

JOHN COLTRANE

«Pienso que en América los Negros dan pruebas de tener un don particular cuando se trata de expresar su propia convicción por medio de la música. Los Blancos, en su inmensa mayoría, tienen más bien tendencia a considerar que es indigno mostrar sus sufrimientos, mostrar simplemente cualquier cosa que esté referida a los sentimientos, que no sea de orden técnico...
Esto se debe, en mi opinión, a que el hombre negro ha desarrollado en el ámbito de la música eso que el hombre blanco llama jazz. Y pienso que, originariamente, esta palabra ha sido utilizada para designar una música que el hombre blanco juzga como inferior.-»

ORNETTE COLEMAN

No es cuestión de volver a contar o repetir aquí eso que se llama «historia del jazz»: no hay por que hacer una vez más el inventario de músicos, orquestas, discos y estilos de que se compone dicha historia. Nuestro esfuerzo apunta más bien a reencontrar los lazos que desde siempre existieron - aunque sin ser apreciados- entre la cuestión social americana, la ideología que domina en ella (y lo que esta ideología domina como otras ideologías en retaguardia), y las diversas manifestaciones musicales (y también no musicales) provenientes de los negros americanos. Si exceptuamos a LeRoi Jones, por supuesto, y en menor medida al alemán Joachim Ernst Berendt, la historia del jazz nunca ha sido estudiada por lo que es: un entramado de relaciones complejas, el punto de articulación de las prácticas artísticas en campos no artísticos (como por ejemplo el social y el político), el producto de una serie de conflictos entre determinaciones antagónicas. Así pues, estas notas pretenden inscribirse en las lagunas, en los márgenes blancos de la «historia del jazz» que ya ha sido escrita.
En última instancia, podría decirse que la «historia del jazz» no existe porque el jazz no existe fuera de la Historia, y lo que es verdad para todo el arte lo es más aún para este: su «historia» es la historia de las fuerzas que lo crean tanto como la de las formas que él crea. El trabajo de identificación de tales fuerzas no es nunca simple ni completo, y ello ocurre en la medida en que las fascinaciones ideológicas por el «espléndido aislamiento del arte» no cesan de obstaculizar dicho trabajo, estando como están ancladas en nuestras tradiciones culturales desde tiempo inmemorial. Cuando la ideología dominante preconiza la separación del arte y la política, lo que hace en realidad es intervenir en el campo de lo estético... ¡para condenar cualquier intervención en este campo de la ideología!
Es por esto que, además de considerarse «sacrilego», se considera también «reductor» al hecho de «reconducir» obstinadamente una práctica artística a su contexto, a los terrenos no-artísticos que en ella se articulan. Porque, efectivamente, estos reduce un determinado «'flou' artístico»(2) que es norma en la reflexión sobre el arte; pero también resulta evidente que las determinaciones mecánicas y las indeterminaciones sistemáticas son sus cómplices: unas y otras pretenden eludir el juego mismo de las sobredeterminaciones en todos los niveles, un juego que no es ni «simple» ni «vago», sino complejo y preciso.

(1) : Frase de Steve Day, para el libro de
Dave Gelly "Master of Jazz Saxophone" Pág: 146
(2) : Término aplicado a la pintura y significa :
" Pérdida voluntaria del enfoque en todo o en parte del cuadro,
sólo con fines expresivos."
Free Jazz - Black Power : Pág : 171, 172

Intro : Micky Almada

LA FUERZA INTERIOR

2010-11-01T09:06:00.000-07:00

Nadie más imbuido de jazz que Murray para rendirle sentido homenaje al maestro de maestros cuya estela e influencia no resiste el menor análisis. Bien le cabe a un proyecto como este aquello que en el jazz " No importa lo que se cuenta, sino cómo se lo cuenta" .
Cobijado en un octeto que no defrauda y anclado en composiciones fetiche de Trane, como "Giant Steps" y "A Love Supreme", el saxofonista mantiene su sesgo personal y el espacio sonoro es recreado con un respeto absoluto.
Su voz se hace notar, sea con el tenor o con el clarinete bajo y la fuerza motora radica en los arreglos que escribió a tal efecto.
"Giant Steps" arranca con inusitada fuerza dándole propulsión y dinámica a unos vientos imbrincados que se enredan, se buscan y dominan el conocido standard con un impecable Murray al borde de la catarsis en su intervención.
Excelente la participación de quienes lo secundan al líder, quien les da pase libre para profundizar y complejizar las formas de la composición original.
La belleza de "Naima"; de una espirualidad sosegada da pie para un juego de texturas, resaltando el sobreagudo e instrumentando una característica que le es propia en su manera de tocar.
The Crossing, India, Lazy Bird, discurren dentro de la temática planteada por su creador; es decir : conmueve, por salirse de los tópicos habituales de los tributos dedicados a Trane esgrimiendo una propuesta ambiciosa, plena y profunda, sirviendosé de su propio conocimiento, entendimiento e historia para no caer en la mera imitación.
La fuerza interior de una música que pervive en la memoria de quienes gustamos de Coltrane y que resiste sublime el paso del tiempo.

David Murray (tenor saxophone, bass clarinet)
James Spaulding (alto saxophone, flute)
Ravi Best, Rasul Siddik (trumpet)
Craig Harris (trombone)
D.D. Jackson (piano)
Jaribu Shahid (bass)
Mark Johnson (drums)

Reseña : Impronta de Jazz

TOM WAITS & LA PRESERVATION HALL JAZZ BAND

2010-10-25T07:20:00.000-07:00

Tom Waits vuelve a colaborar con la Preservation Hall Jazz Band, tras el álbum colectivo “Preservation: An album to benefit Preservation Hall and the Preservation Hall Music Outreach Program”. Ahora han grabado dos canciones del Mardi Grass Indio que Danny Barker grabó originalmente en 1947: ‘Tootie Ma Was A Big Fine Thing’ y ‘Corrine Died On The Battlefield’.
Con la edición se pretende recaudar fondos para la Preservation Hall Jazz Band. El disco se presenta en edición limitada y numerada de 504 ejemplares y con una velocidad de 78 rpm. Los primeros cien discos van acompañados de un tocadiscos portátil, el Preservation Hall 78, al precio de 200 dólares. La versión estándar está disponible por un donativo de 50 dólares. Ambas versiones estarán a la venta partir del 19 de noviembre en la sede de la Preservation Hall Jazz Band, en Nueva Orleans, y al día siguiente en esta web.

LETTER TO EVANS

2010-10-18T10:39:00.001-07:00

A los 21 años mi amigo Martín me prestó en un cassette Basf de 60 minutos un cd grabado ( que recuerdos ) que contenía el "Wichita Falls" de Metheny / Mays [ obra inmortal si las hay para quienes entramos en esto del jazz por esa vía ] y no olvidé jamás la sensación que tuve cuando escuché recostado en la cama " September Fifteenth".
A medida que Lyle Mays se adentraba con su instrumento en los caminos del bosque en un día de espesas nubes que sudaban gotas , lenta y pausadamente me paralizaba emocionado ante un solo de piano que parecía sacado de la más deseada de las utopías.
Creo haber apretado el "Rew" del grabador varias veces aquel día. La consecuencia dió lugar a una sola pregunta ¿ Quién era Bill Evans a quien le dedicaban tan bella composición ?
A partir de ahí y al poco tiempo "You must belive in Spring" entraba a mis oídos y mi anaquel. Desde ése momento tanto mis alegrías como mis fracasos sentimentales se dibujaban en la música de Evans.
Con el tiempo lo escuchaba por épocas, en aquel entonces era difícil conseguir información de nivel y de primera mano. En Argentina todas estas cosas cuestan, más si uno prodiga la afición por éste género en el cual la escases de interlocutores válidos es moneda corriente. La realidad es que somos pocos y cuando aparecen ejemplares como éste, uno lo celebra.
Global Rhythm, la editorial que lo publica traducido al español ha entrado desde hace un tiempo al País y he podido adquirir varias cosas de ellos que no son económicas. Urgando en la red o en las bibliotecas de las grandes librerías se consiguen buenos descuentos. Como les recomiendo siempre, armensé de paciencia y no se queden con el primer precio que vean, que como les dije no suele ser accesible en primera instancia. De hecho éste y otros productos de la editorial mencionada han reducido el valor original al que entró hace 2 años.
Hace menos de un mes adquirí "Peter Pettinger: Vida y música de Bill Evans". A primera vista uno medita en la empresa inabarcable que es escribir sobre alguien que dio tanto a la música y a las almas que escucharon y escuchan ésa música; sin embargo así como celebramos en cada audición la obra del pianista, el mérito de Pettinger es inmenso e incalculable.
Se trata de la historia de Bill, profundizando la enmarañada y compleja vida del poeta del piano y uno de los músicos modernos que enarboló en su manera de tocar el impresionismo como nadie dentro del Jazz.
El libro recorre el camino desde los comienzos del músico a los 13 años cuando cursaba estudios clásicos de piano y violín, la descripción de la forma de pulsar las teclas que tenía en cada nota, la interacción con los pedales, el sonido de los distintos pianos que tocó; en que se basaba para componer y no faltan los pasajes dramáticos de su vida: su adicción a las drogas, sus matrimonios o el fallecimiento de su amigo, el joven contrabajista Scott LaFaro. Nada de esto opacó el legado que nos dejó hasta su deceso en setiembre de 1980. Manfred Eicher admitió que la concepción del sonido de su sello cuando maduraba en él la idea de hacerlo era la expresión mínima y espaciada de los modos de Evans.
Cuenta con una exaustiva revisión de los registros grabados, perfectamente datada y ordenada. Un texto imprecindible para comprender a éste ser humano que vibra en cada palabra de esta biografía.
Conocer su música es transformarnos en mejores personas, se los aseguro. Una luz que brilla en el desierto oscuro de la muerte.

Micky Almada

ROUND ABOUT IMPRONTA

2010-10-11T13:13:00.000-07:00

Ayer 10 de octubre hubiese cumplido, de estar entre nosotros, 93 años. Éste Viernes lo recordaremos en el primer bloque del programa.
Único y con un estilo irrepetible dentro del jazz fue el tipo de artista que impone sus propias reglas al arte, es decir, a mi modo de percibir su música, lo que llamaríamos genio.
Su rala forma de ejecutar el piano lo diferenció de sus contemporáneos y la eclosión de su obra ha ido creciendo con el tiempo a medida que se reedita la misma.
La versión de " 'Round Midnight" en el "It CLub" será la elegida. Pasaría "Blue Monk" , "Well you Needn't o "Teo" pero el programa solo dura una hora .
EL tono seco de Charlie Rouse en el saxo tenor fue el mejor vehículo para ampliar el mensaje y colocar el legado de Thelonious en puntos centrales de la historia del género.

Micky Almada

TOCALA DE NUEVO DUKE

2010-10-06T18:18:00.001-07:00

La calidad y generosidad del sello SteepleChase para con los jazzeros que se instalaron o autoexiliaron en Copenhague ha dejado huellas imborrables con trabajos clásicos como este que comentamos.
Para quien escribe , Dexter Gordon registró su mejor disco en ésta casa "The Apartment" que pasa por mis oídos casi de manera diaria y no me cansa.
Acompañado del danés de nombre impronunciable Niels-Henning Ørsted Pedersen en el contrabajo y de Billy Hart en batería ( casi nadie ) el pianista registró éste álbum doble en Octubre de 1979.
"Change a Pace" y "Thinking of you", contienen diecinueve composiciones de autoría propia.
Su forma de tocar posee fantasía y luminosidad. Discreta y sobria la música se desenvuelve con modos elegantes e inventivos consecuencia de sus años formativos en la Calle 52 junto a otros colegas en pleno despegue del jazz moderno ; forjando su reputación con Charlie Parker y sus registros para Dial y Savoy.
Nuestro líder tiene un toque sólido en pasajes como "The Fuzz" o "Anything Can Happen" pasando a una lírica elaborada en "My Queen Is Home To Stay", uno de los picos expresivos más altos y una composición de traslúcido impresionismo donde de haberlo tenido imaginariamente al frente le hubiesemos dicho, tócala de nuevo Duke."Again and again".
Dueño de una sonoridad pristina fue un arquitecto de la melodía otorgándole una importancia capital dentro del esquema de sus composiciones.
La escucha de este Double Duke está destinada al encuentro placentero de un trío experimentado y nos invita a no dejar caer en un olvido interminable a quien la hizo.
Un dato no menor en cuanto a camino recorrido y su prolífica inventiva , es que solo para esta casa dejó un registro de alrededor de 25 títulos. Un Oscar Peterson cualquiera, salvando diferencias sutiles. El primero un excelente ejecutante, Jordan un artista.-

DUKE JORDAN- piano
NIELS PEDERSEN- bass
BILLY HART- drums

Reseña : Micky Almada

GALARDON OBTENIDO

2010-09-30T06:12:00.000-07:00

En la húmeda y frondosa vegetación que da brillo y vida a la histórica ciudad de San Miguel de Tucumán se realizó el pasado sábado la entrega del Premio Independencia. El programa y el blog quedaron nominados en dicho evento, resultando ganador de la estatuilla el ciclo radial que conducimos y no el blog.
En una noche intensa viví con nervios, ansiedad y finalmente alegría el resultado obtenido.
Un agradecimiento a su organizador y alma mater el arquitecto Héctor Reinoso Gallo y al jurado que eligió a Impronta de Jazz como mejor programa, entre otros de igual calidad.
Mis cortas palabras frente al micrófono en su final tuvieron una dedicatoría inobjetable para mí : Nano Herrera, difusor de esta música quien abondó la escena de la vida en 2009. A él de todo corazón este logro.

EL ETERNO RETORNO

2010-09-29T18:22:00.001-07:00

Miles quiere que sigamos bebiendo de su endiablado brevaje para llevarnos al delirio baquico solo accesible a través de su música y no a riesgo de una infusión de ayahuasca.
Con motivo de conmemorarse el 40 aniversario del lanzamiento del bastión del jazz fusión, Sony publicará en estos días una edición conmemorativa de “Bitches Brew” editado en el mercado originalmente en 1969. ¿ Cuál es la novedad ? Estará disponible en 2 versiones diferentes : La primera, “Bitches Brew: Legacy edition” contiene los dos compactos originales y agrega tomas alternativas junto a las versiones cortas para single de diversos temas más el DVD de un recital inédito que Davis ofreció en Copenhague en noviembre del mismo año.
La otra versión : Bitches Brew: 40th Anniversary collector’s edition”, para mí la más jugosa; incorpora lo mismo que la anterior y le suma un CD con un concierto inédito del septeto de Davis en Tanglewood en 1970, y un memorabilia de Greg Tate de 48 páginas quién abreva golosamente en exquisitas y detalladas notas explicativas, más el doble LP réplica de la edición original.
Lo mejor: es que ya estaría disponible en nuestro País y les recomiendo que busquen precios, he estado averiguando y hay diferecias sustanciales de un lugar a otro en la red.
Y pensar que esto de fusionar al jazz con el rock y darle forma, hubiese sido otra cosa. De haberse concretado un encuentro del trompetista con Hendrix , quien por aquellos años estaba anonado con la música de Jimi y viseversa e incluso se comenta que iban a gestar un disco juntos después del festival en la Isla de Wight.
La deidad de las 6 cuerdas pasó a mejor vida y luego el proyecto jazz - rock, fusión, progresivo o como fuere, devino en virtuosismo y todo desembocó en Corea y todo ese esperpento carente de alma.
El trompestista supo elucidar y muy bien cual era el camino a seguir. A preparar la billetera; les aseguro vale la pena.-

Micky Almada

MATS, EL TERRIBLE

2010-09-19T16:20:00.000-07:00

Es uno de los músicos más creativos de mediados de los 80 en adelante. Su sonoridad gutural y su manera brutalizante de ejecutarlo se asocia más con la voz de un cantante de Death Metal que con un saxofonista de Free. Brillante improvisador con una imaginación inacabable, Gustafsson es un virtuoso que se hace notar.
La primera vez que lo escuché en "I Love It When You Snore" con Paal Nilssen-Love, literalmente me voló la cabeza.
Este video inaugura la sección "Imagen y Sonido". Me hizo recordar, cuando hace ya casi 20 años atrás escuché por primera vez a Jaco Pastorius, con ese sonido único de su bajo fretless y el inolvidable "Slang" de 8:30, logrando mayor expresividad con el valor agregado de su excelencia como músico.
Albert Ayler estaría más que orgulloso de haber podido escucharlo, aunque deje como un juego de niños lo hecho por aquel. Devastador.

Micky Almada

EL BRILLO DEL SOL

2010-09-15T15:30:00.000-07:00

Supe leer hace un tiempo ya, que hubiese pasado en el hipotético y dudoso caso de haber firmado Trane con ECM, si hubiese sonado como lo hace Lloyd en éste y otros discos para esta casa discográfica. ¿ Lo escucharíamos ingrávido,etéreo, incorpóreo ?
Sinceramente no lo creo, más teniedo en cuenta el último Coltrane con toda su carga espiritual, africanista pero abrazando ese estadío enajenado en un sonido rábido despojandosé de toda animosidad introspectiva.
Yo no puedo dejar de escuchar a Charles con el respeto que me merece, pero tampoco cada vez que lo escucho con una producción nueva, se me aleja del oído en mayor o menor medida los ecos del único e irrepetible tenor de Hamlet. Su influencia omnipresente todo lo abarca y más en músicos como éste.
Entrando en "Mirror" su último disco, debo decir que me ha encantado .
El toque impresionista y el lirismo se conjugan avidamente para adentrarse en las páginas emocionales de cada quien. La retórica melíflua vertebra el contenido y modera cualquier sobresalto en cortes como "The water is wide", "Lift Every Voice And Sing"o "Being And Becoming, Road To Dakshineshwar With Sangeeta".
Los méritos no son solo del saxofonista sino de los excelente músicos que lo acompañan. Esta formación es la misma de "Rabo de Nube", registrado en vivo en Basel (Suiza) y es una de las mejores que ha tenido.
EL lujo de Jason Moran en el piano, el toque húmedo de Reuben Rogers en el contrabajo y el tenue susurro de Eric Harland en la batería logran un nivel de interacción con su líder que le permite flotar en cada interpretación. Un detalle de recogimiento y religiosidad se expone en "Tagi" tema de cierre y el más extenso que incorpora una meditación del Bhagavad Gita inspirada en la palabra de Lloyd.
Lo mejor del cd es "Desolation Sound" y "La llorona" donde la sonoridad del saxo sueña un otoño eterno con la nieve cayendo desde el cielo gris. Pura poesía.
Un álbum que nos invita a reflexionar sobre las sensaciones que nos produce cuyo resultado es una música melódicamente perfecta, cándida y profunda que como el brillo del sol todo lo ilumina.

Charles Lloyd, sax.
Jason Moran, piano.
Reuben Rogers, bass.
Eric Harland, drums

Reseña : Micky Almada

EL SUCESOR QUE NO FUE

2010-09-08T19:26:00.001-07:00

El domingo pasado tuve la oportunidad de ver el documental que realizó Kasper Collin en 2005 , que pasó por nuestro País y se exhibió en el 9º Festival Internacional de Cine Independiente, en abril de 2007.
La versión que se puede conseguir en DVD, está ( se imaginarán ) sin subtítulos en nuestra lengua y solo adquirible en escasos lugares que traen rarezas y seguro a un precio alto.
Me adentro en mi comentario para no ponerme a despotricar del abandono y la soledad contínua, por parte del mercado discográfico para con el aficionado , lugar en el que me encuentro, y que más de una vez he dejado cuenta en este espacio.
El documental muestra sus años en Escandinavia, su aprendizaje de pequeño del instrumento, su participación con el lejendario músico de blues Little Walter y su paso por el ejército al igual que muchos colegas.
De vuelta por su ciudad natal ( Ohio ) reprograma su carrera y parte para Suecia donde graba sus primeros registros .
De esta etapa hay imágenes riquísimas con amigos, músicos que participaron en las sesiones de grabación y una ex-novia sueca, Ann Westerman, que menea sus caderas en una filmación de aquel entonces.
Unos rostros de disfrute cobran vida cuando le colocan auriculares a Sune Spangberg quien toco la batería en el primer álbum de Ayler y a quienes tocaron con él en distintas épocas y escuchan lo bellamente incómodo de ese crudo lenguaje, cual filo de obsidiana, que busca un lugar donde acomodarse dando un testimonio invalorable.
Una inflexión más que interesante en la narración es la aparición de Sunny Murray contando minusiosamente la negativa de Cecil Taylor estando de gira por Suecia de incorporarlo a tocar y cómo de buenas a primeras, ademán de por medio, lo integran al set, dejando seducido al líder con su sonido furioso en constante ebullición.
EL momento más emocionate es en el funeral de Trane quien dejó solicitud expresa que tocaran Ornette y Albert. Un instante cumbre que conmueve superando los riesgos que implica una despedida que acaba a los gritos sentidos. Es impresionante una foto final de ese pasaje, con Ayler de costado, elevando su saxo hacia el techo de la St.Peter's Lutheran Church, y en el triángulo que forma su brazo, el saxo y su cabeza un haz de luz blanco, que se cuela.
La idea de Collin, me atrevo a decir por lo que ví, es dejar en claro que Ayler fue alguien decidido a poner su particular sello en las notas de su carrera . Un saxofonista que encarnaba un nuevo concepto de libertad en su música, a pesar de haber sido vilipendiado en vida , tratado con desinterés y antipatía por la industria y los críticos.
Coltrane lo había indicado como su sucesor incluso dándole el apoyo necesario, a sabiendas de la impopularidad de esta forma de jazz, algo que sufrió también en carne propia.
No pudo ser. Un 25 de noviembre de 1970 su cuerpo apareció sin vida flotando por las aguas del Río Hudson y se deduce que estuvo en esas condiciones alrededor de un mes. Nadie puede determinar en que circunstancias y porque. ¿ Saltó o lo empujaron ?

“If people don´t like it now, they will”

“Si a la gente no le gusta ahora, le va a gustar después”

Albert Ayler.

PD: Les recomiendo si pueden conseguir "Holy Ghost” un magnífico box - set de 10 cd's editado por Revenant donde aparece todo este material invaluable. Y si no, para este lado del mundo ya saben por donde.

Reseña : Micky Almada

INDIE JAZZ

2010-09-02T18:16:00.000-07:00

A Chris Lightcap lo sentí nombrar por primera vez en una crítica acerca de su disco Lay - Up ( su debut ) grabado para Fresh Sound, en 1999. Pasó un tiempo y en el estudio de la radio le realizé una entrevista a un grupo de jazz-fusión y otras yerbas anexas , que se presentaban esa noche y el bajista me dijo al aire que había estudiado o tocado, no recuerdo bien, en Buenos Aires con el susodicho.
Esto último no lo pude confirmar nunca y en consecuencia, opté por creerle. Creo que no se va a olvidar nunca de mi cara de asombro y descreimiento, pero, hostia!! porque no ?
Nos encontramos ahora con su último trabajo y mi primera oportunidad de escuchar su música.
La formación difiere en cuanto a integrantes de su cd "Bigmouth" grabado también para el sello mencionado en 2003.
Tony Malaby en el saxo tenor secundado por Chris Cheek en el tenor también, quien entró en lugar de Bill Mc Henry, Andrew D'Angelo en el alto, quien aparece en 3 cortes; Craig Taborn en los teclados y Gerald Cleaver en la batería.
La formación consigue un punto de convergencia que deviene en el equilibrio sonoro logrado en todo el registro. Suma además el bello sonido del wurlitzer a cargo de Taborn que agrega aristas interesantes al proyecto dándole un perfume diferente.
Todas las composiciones son de Lightcup y remiten imágenes donde hay destellos de rock a la vieja usanza , pop y sabores latinos.
En ellas, las imágenes generadas por la música toman cuerpo a partir de la prodigiosa habilidad del creador y el entusiasmo colectivo.
Excelente trabajo de este verdadero renovador perteneciente a las nuevas generaciones y que los críticos han catalogado como "indie jazz".
Me dejó con la boca abierta y me quedé con ganas de más. Que se repita.

Chris Lightcap - double bass
Chris Cheek - tenor saxophone
Tony Malaby - tenor saxophone
Craig Taborn - Wurlitzer electric piano, piano
Gerald Cleaver - drums
Andrew D'Angelo - alto saxophone ("Silvertone", "Ting", "Fuzz")

Reseña : Micky Almada

OBITUARIO

2010-08-16T17:59:00.000-07:00

Abbey Lincoln, la gran dama del jazz, falleció el domingo en Nueva York a los 80 años. La familia de la artista no ha precisado el motivo del fallecimiento, pero Abbey Lincoln había sido operada del corazón hacía tres años y su salud era delicada.
La música de Abbey Lincoln fue evolucionando desde los experimentos más estridentes y rupturistas del africanismo militante hacia las baladas de dulce y envolvente modulación. Fuertemente influenciada por Billie Holiday, Abbey Lincoln dramatizaba sus interpretaciones con un convincente sentimiento. Sus voz, potente y grave, contrastaba con un fraseo lento, lo que hacía de su música algo cálido y cercano, que quedará para la historia.
La forma de cantar de Abbey Lincoln entronca, de alguna manera, con la tradición de los predicadores negros norteamericanos. En su discografía destacan 'The World Is Falling Down' (1990), 'Devil's Got Your Tongue' (1993), 'A Turtle's Dream' (1995) y 'Who Used to Dance' (1996). Su último disco de Lincoln lleva por título Abbey Sings Abbey y fue grabado en 2007.

Fuente : diariovasco.com

"El Viernes 20 de Agosto , programa - homenaje a una de las más grandes voces del jazz."

UN MILES MÁS Y VAN....

2010-08-16T13:33:00.001-07:00

Derek Landridge en su ensayo "Your Jazz Collection", sentencia un axioma que pocos pueden poner en duda : "El auténtico amante del jazz tiene que ser un coleccionista de discos".
Como contracara a una nueva reedición por parte de la compañia, de este testamento indiscutido de sus años con Columbia, me lleva a pensar en la estrategia comercial reciclando el pasado, en el fetiche de la mercancía, la suntuosidad de dicha presentación, y también en esta música hoy; en tanto sobresaturación casi constante de este tipo de publicaciones accesibles solo para bolsillos pudientes .
Sí, ya sé, me dirán que todo esto se puede descargar de la web con alta calidad de sonido, y muchos etcéteras más. Pero también sabemos que quien compra este tipo de arte lujoso, padece de obsesiones que le quitan el aire y que el tema de bajarlo, no es lo mismo.
Como me supo comentar Carlos Sampayo y coincido plenamente : "Quiero objeto de fábrica, capitalista, decadente y putrescente."
The Genius of Miles Davis es una edición opulenta y limitada cuyo estuche, imita el que usaba para su instrumento y contiene ocho minicajas, [ lo cuál desde mi punto de vista es un valor agregado en cuanto a tamaño, lectura de los textos, maleabidad y comodidad, si las comparamos con las long-box de estos mismos trabajos y que son las que de manera errática se consiguen por acá ] que abrigan 43 compactos.
La réplica de la boquilla que Miles utilizaba, una remera que reza en inglés: "I can't play like anyone else, I can't fight like anyone else, I can't do anything like anyone else. I'm just myself"; [ "No puedo tocar como cualquier otra persona, no puedo luchar como cualquier otra persona, yo no puedo hacer nada como los demás. Sólo soy yo mismo"] y un grabado desconocido firmado por él.
Para el iniciado un viaje de ida a paraísos inexplorados que, de lograr despertar su interés, podrá regresar e indagar sobre otras obras del autor y porque no dar un paso más allá y adentranrse de lleno en este querer saber sobre jazz.
Para el aficionado académico que degusta a Miles con ardorosa intensidad, una nueva oportunidad para re-escucharlo y devolverle con justeza tanta musicalidad extraterrena.
Las piezas están numeradas y estarán a la venta el 14 de setiembre a 1.199 dólares, solo a través del la página web : GeniusOfMilesDavis.com y por el momento no está disponible para nuestro País .

MILES DAVIS - THE GENIUS OF MILES DAVIS

1. MILES DAVIS & GIL EVANS: THE COMPLETE COLUMBIA STUDIO RECORDINGS (6 CDs)
2. MILES DAVIS QUINTET 1965-1968 (6 CDs)
3. THE COMPLETE BITCHES BREW SESSIONS (4 CDs)
4. MILES DAVIS & JOHN COLTRANE: THE COMPLETE COLUMBIA RECORDINGS, 1955-1961 (6 CDs)
5. THE COMPLETE IN A SILENT WAY SESSIONS (3 CDs)
6. THE COMPLETE JACK JOHNSON SESSIONS (5 CDs)
7. SEVEN STEPS: THE COMPLETE COLUMBIA RECORDINGS OF MILES DAVIS, 1963-1964 (7 CDs)
8. THE COMPLETE ON THE CORNER SESSIONS (6 CDs)

Comentario : Micky Almada

NUTRIDA AMALGAMA

2010-08-08T17:05:00.000-07:00

En la agitada vida de Antoine Hervé, el hombre se las arregla para ser un músico con características polifacéticas.
Este trabajo surgió como un proyecto de interacción grupal con la improvisación como idea motora, en la cual el público presente juega un rol activo en la conformación de los temas a partir de la nutrida amalgama que retroalimenta ambos componentes.
Como consecuencia se terminó editando esta presentación como un homenaje al auditorio que concurrió a esa presentación en el " Duc de Lombards Jazz Club" en París, en los finales del año 1997.
Si hay algo que fascinó mi audición, dicho esto sin detrimento para el resto de los integrantes; todos ellos de probada raigambre, es el maravilloso sonido de la trompeta de Markus Stockhausen : sencillamente hermoso, independiente y libre dentro del quinteto.
El pianista francés esta impelido por la voluntad de apertura y síntesis de lenguajes contínuos, con lo que es su mayor obsesión la improvisación colectiva y sus resultados en el campo artístico y musical.
Ojo, no vamos a escuchar aquí a "The Thing" , de Mats Gustafsson o Cecil Taylor, no!!.
Los distintos cortes se solucionan dentro de modos amables, con picardía jazzística sin llegar a ser un borderline y saben qué ? Está muy bien.
Entre los puntos culminantes, encontramos "Long hair woman," para mí el mejor del cd, con la elegancia del trompestista quien a paso lento viste la composición de intensidad hasta llegar todos, a conformar un dinamismo integrador que se coordina y se extiende a medida que se suceden "Sharing", "Silence", "Salsita", y "Chango, chango",con la misma cualidad planteada al principio.
"Invention is you", ofrece un universo colectivo que va del funky al jazz más refinado, y donde hay siempre una reformulación de prioridades y una reafirmación de principios como concepción de su líder, un dejarse ir o llevar por la música ; según como se mire.
Me quedo con una frase acuñada por Stockhausen, en las notas internas :
"Algunas palabras acerca de los elementos intuitivos de nuestra música : Cada ser humano, cada músico tiene un elemento creativo que, él o ella conectan con el comienzo de toda la existencia.
Cuando el contacto sucede provoca excitación y una poderosa energía de amor y gratitud".

Antoine Hervé : piano
Markus Stockhausen : trumpets, fluegelhorn
François Moutin : bass
Louis Moutin : drums
Arnaud Franck : percussion

Reseña : Micky Almada

SENDEROS DE LIBERTAD

2010-08-01T13:12:00.000-07:00

Si hay lema en el personal cielo de Mat Maneri, es lo inesperado de su música. Tres composiciones que en escencia surcan un mismo espíritu interior, improvisación libre con una progresión de diálogos y ambientes cuya concomitancia se desenvuelve en espacios expresivos muy logrados de enclave microtonal con diferentes estados de ánimo.
Momentos que van del nerviosismo visceral y el vértigo, al silencio catedralicio dejando al oyente la resolución del abanico sonoro .
Hay un contexto muy interesante de escuchar, para ver como se manifiestan las ilimitadas posibilidades y combinaciones del sonido del "Ensemble" con ingredientes y perspectivas variadísimas .
Lo más granado de la vanguardia está presente, Barre Philips cuyo compromiso y colaboraciones con los Maneri es ineluctable, Roy Campbell cuya incursión en el trabajo colectivo es interesante desmenuzar, Randy Peterson y Matthew Shipp, improvisadores de lujo.
El proyecto nació en el estudio de grabación sin ideas preestablecidas, salvo el reconocimiento recíproco y la naturalidad del momento. Los títulos de los cortes arguyen con claridad y coherencia canónica a los ritos de la fé catolica
Tres partes que se resuelven dialécticamente de manera perfecta, cuya riqueza colectiva ofrece colores, densidades y formas que se proyectan en senderos de libertad.
Si hay una idea de esto último en la música, este trabajo la refleja fielmente. Para adentrarse en otro estado de conciencia.

PD: También es uno de los últimos testimonios para disfrutar a Joe Maneri, padre de Mat, quien falleció 9 años después.

Roy Campbell: trumpets
Joe Maneri: clarinet, alto+tenor sax
Mat Maneri: viola
Matthew Shipp: piano
Barre Phillips: bass
Randy Peterson: drums

Reseña : Micky Almada

EL PARADIGMA DEL SILENCIO

2010-07-27T10:45:00.000-07:00

Manfred Eicher, fundador y presidente del sello ECM, hablaba recientemente con Richard Williams para una entrevista publicada en The Guardian en la que daba las claves de la supervivencia de su sello pese a la virtual desintegración de la industria discográfica.
En la introducción de la entrevista Williams describe el despacho de Eicher con un escritorio en el que aparece una novela de John Cheever y un libro de poemas de Wallace Stevens. También hay una fotografía de su amigo Jean-Luc Godard y un calendario en el que se percibe la apretada agenda de trabajo del productor: unas tres docenas de álbumes a editar este año, de músicos y compositores como Keith Jarrett, Arvo Part, Jan Garbarek, Anouar Brahem y Gidon Kremer, entre otros. No es el ejecutivo típico de la industria musical, quizá es éste el motivo por el que ECM parece sobrevivir a la crisis de la industria, cuarenta años después de que Eicher comenzara en ella.
Para sus muchos seguidores, ECM mantiene una cierta aproximación introspectiva tanto a la música como a su escucha. Sus ediciones, unas mil hasta la fecha, están grabadas, editadas y empaquetadas con un refinamiento deliberado que habla del amor que Eicher profesa por el jazz mezclado con su personal sensibilidad noreuropea. Y parece que esos argumentos resultan ganadores: mantiene unas nada pretenciosas oficinas en las que hay catorce empleados –aparte de sus oficinas de Nueva York y París- desde donde trabaja con remarcable éxito e inflexible independencia. Cuatro décadas después del tímido lanzamiento de Free at Last, del pianista Mal Waldron, sigue produciendo trabajos que no dejan de incrementar sus ventas.
Cuando la mayoría de los sellos se mantienen gracias sólo a la diversificación y a que dejan de ser los mismos, parece que a ECM le ocurriese todo lo contrario y aunque ahora sus grabaciones de jazz presentan algunas veces laptos y samplers, siempre se cuida y mantiene el principio del “gusto del productor”.
Ese gusto de Eicher se formó con su aprendizaje como contrabajista clásico y con su acercamiento al jazz a través de Miles Davis y su Kind of Blue o del trío de Bill Evans.
Eicher explica: “La década de los 60 fue el momento en el que muchas cosas se pusieron en marcha -Ornette Coleman, Bill Evans, Cecil Tayor, Paul Bley, Coltrane, toda aquella gente.
Y también en el teatro y en el cine había cosas realmente importantes: Godard, Bresson, Bergman, Antonioni -todos ellos son todavía puntos de referencia frecuente para nosotros. Lo que ahora surge es muy diferente: si hablamos de música improvisada creo que aquellos grandes músicos son irreemplazables. No veo otro Miles Davis en el horizonte, u otro Coltrane. Puede que haya lentos cambios, con mucha electrónica, nuevos sonidos y quizás combinaciones más interesantes. Puede ser que algo surja de esto”.
Eicher asegura que él no se fija en las cifras de ventas de sus artistas: “Para mí el éxito está en la calidad del disco y en la respuesta que obtengamos. Si los medios se interesan y además nos escribe gente directamente desde Indonesia o Vietnam, ésa es la medida que nos mueve”.

Fuente : The guardian
Foto : Daniel Vass
Publicación : Cuadernos de Jazz

RETRATO EN EL TIEMPO

2010-07-14T18:42:00.001-07:00

Pettinato es una de las personas dentro de la fauna local que pertenece a la televisón o caja boba , a la que más respeto le tengo. Por ser un difusor del free y por el hecho de que a pesar de que trabaja en un medio que no divulga estos menesteres, cada vez que algún músico visita nuestro País se da el lujo de invitar y difundir el jazz en su programa.
Me quedé con los dientes en la mano cuando llevó a David Murray al programa, sus ojos de niño y su rostro atónito, contagiaron el mío que se repetía sin cesar, David Murray en la tele, Jazz en la tele y Roberto diciéndole a los del control, " pasalo hasta donde dé", porque obvio, lo pusieron al último.
Amén de eso nos deleitó con una entrevista, algo es algo.
Esta foto data de los ochenta, más precisamente cuando se realizó el festival "Buenos Aires 80", y una de las glorias del jazz-fusión, Weather Report, pisaba nuestras tierras, junto a otras de igual calibre.
Wayne Shorter junto a un joven Petti, se explayó en una extensa entrevista, con anécdotas y páginas de su historia de una riqueza sin par, de esas que lees una y otra vez y siempre le encontras algo nuevo.
Imaginen por un momento con quién estuvo el agraciado periodista, Jaco, Zawinul, Erskine, en el mejor momento de la banda. Además no todos los reportajes los hizo él, sino que intercambiaba roles con Pipo Lernoud.
En la entrevista que le hacen a Peter Erskine, él dice que en su estadía en la capital "le llamaba la atención el rostro sombrío de toda la gente. Creo que esta ciudad está muy triste" ( sic ).
La coyuntura del País no era la mejor, y lo qué no sabía era que otros sonidos mudos llenos de dolor acongojaban a una sociedad atrapada por el miedo.

Comentario : Micky Almada

Reportaje Petti-Shorter

PRODIGIOSA MIXTURA

2010-07-02T05:46:00.000-07:00

A partir de la conjunción de un trío de elevadísimo nivel y gusto refinado, surge este acierto, que bien supo dilucidar Gilbert Isbin como propulsor de la idea , por un encuentro con Jeff Gauthier a través de algunos conciertos en California y el interés añadido de ambos en el arte.
Para darle redondez y acción a la idea musical, fijaron parada en Scott Walton, contrabajista y pianista.
El concepto se encuadra en 2 suites, una dedicada a Venecia y otra a Brugge (brujas), el edén de las bicicletas.
Gauthier discurre sutil sobre las cuerdas, ofreciendo una natural predilección para combinar la coquetería improvisadora de un concertista, con las ricas y permeables melodías, compuestas mayormente por Isbin, sin llegar a desbordarse.
Las composiciones del belga evolucionan de manera sugestiva con un espíritu hipnótico a veces, vanguardista otras , logro que se concreta en la homogeneidad de las mismas.
Algunos críticos lo han asociado como una respuesta europea al String Trío de New York. Amén de esta referencia la música fluye de manera natural conquistando una prodigiosa mixtura en 16 cortes que insuflan un aire renovado.
Es evidente un balance palmario que se modela entre formas clásicas, contemporáneas, folkies, atonales, y que se resuelven de manera pulcra para llevarnos por momentos de escucha placentera.
Un trabajo lleno de sentimentalismo, aventura, matiz melódico y por sobre todo mucho contenido. Accesible y riguroso en el mismo envase.
No es casual que el último tema sea de Nick Drake, de quien el guitarrista es admirador y editó un cd homenajeando su obra " Gilbert Isbin Plays Nick Drake"; tan recomendable como éste.
Un viaje musical para escuchar en complicidad con el silencio de la noche.
Estupénda foto de tapa.-

Gilbert Isbin, acoustic guitar
Jef Gauthier, violin
Scott Walton, acoustic bass / piano

Reseña : Micky Almada

Venice suite

KONITZ POR KONITZ

2010-06-21T09:50:00.001-07:00

Este es uno de esos tantos libros que cautivan al aficionado y que dudo ( y mucho ) que aparezca por este lado del mundo. Ni hablar de una posible traducción al castellano y consecuente distribución y venta. De hecho, tampoco lo hace más la revista que publica estos cautivantes fragmentos.
Lee Konitz - Conversations on the Improviser's Art es una excelente manera de acercarse al pensamiento de una figura capital dentro del jazz.
Dueño de un sonido exquisito y un estilo refinado este buscador de notas hermosas, como se define, habla de él y de otros colegas con disímiles opiniones. Así por su lengua, sopla los nombres de Lester Young, Coleman Hawkins, Stan Getz, Sonny Rollins, Wayne Shorter y otras vacas sagradas, con una visión exhaustiva sin dejar de ser crítica o complaciente.
Músico de adscripción cool con acercamientos a otros horizontes estéticos, exploró junto a su alter ego Warne Marsh, zonas limítrofes con este movimiento, algo en cuanto a rótulos, que su adalid, Lennie Tristano ( 1919 - 1978 ) detestaba.
El guía del viaje Andy Hamilton propone preguntas valiosas, por ejemplo sobre la crítica que se le ha hecho por tocar ligeramente desafinado o cuál es el estado mental cuando improvisa, con certeras respuestas por parte del protagonista fruto de años de experiencia.
Les aseguro, no tiene desperdicio. Deberé mejorar mi inglés, sin más.-

Lee Konitz - Conversations on the Improviser's Art
de Andy Hamilton
Traducción : Fernando Ortiz de Urbina

Intro : Micky Almada
Gracias a Félix, colaborador y amigo a la distancia por éste y otros artículos.

PREMIO INDEPENDENCIA

2010-06-16T05:30:00.001-07:00

Tanto programa como blog quedaron nominados en Tucumán en el mencionado premio. Esperamos de corazón tener suerte esta vez. El año pasado a punto de viajar me agarraron todas las gripes juntas, las que había revoloteando por el aire y las que no también. Previsor, a comienzo de este me vacuné contra todos los virus.
Con renovados bríos solo me queda agradecer la decisión del jurado y allá vamos Jardín de la República.

RITMOS DE COLOR

2010-06-08T10:24:00.000-07:00

En Austria hay músicos que poseen un alto nivel de desarrollo discursivo siendo poco conocidos en la cartografía del jazz. Zawinul es quien más trascendió fronteras fuera de los alpes.
Don Schabata nos ofrece un plato con pizcas de intelectualidad, siendo un reputado en el dominio del instrumento de origen desconocido y forma trapezoidal, cuyo sonido está más asociado al calor exótico de las atmósferas latinas.
Percucionista de fuste, su formación dió comienzo en la Academia de música de Viena, siendo parte de la Vienna Art Orchestra (de 1977-1980) de la cual fue miembro fundador.
Este trabajo ofrece una generosa relectura post-bop donde se aprovecha la oportunidad de homenajear a sus influencias tempranas, Thelonious Monk, McCoy Tyner, Gary Burton, Horace Silver.
La interacción con el grupo, sobretodo con Robert Michael Weiss (piano) y Christian Radovan (trombón); en los primeros cortes ofrecen una perspectiva dinámica en la forma de abordar los temas, expande frescura sin ser fría.
Se suceden "eos", "Laboratorim", "May-rimba" desglosando un argumento melifluo mas cercano al cool.
No deja de ser una formación excéntrica, que dialoga de un modo complejo. Hay pulsión emocional que disemina un alto nivel de jazz, planteado honestamente logrando identidad propia, sin dejar de ser y sonar europeo.
Lo mejor del cd, la versión de "Stella by Starlight", donde el líder muestra un sentido de calidad sonora irrefutable entrelazando un feedback sólido con Heiri Kaenzing, el contrabajista.
Un trabajo que suena actual, retrotrayéndome reiteradas veces a la memoria rasgos comunes percibidos en "Prime Directive " de Dave Holland [ compárenlo si pueden ] cuya escucha desgaja ritmos y colores musicales, muy personales .
Lo poco que me he enterado de este músico, es que ha abandonado la escena para dedicarse casi exclusivamente a la comedia musical.
Una lástima, teniendo en cuenta la posible apertura artística, con un instrumento que goza de poca o nula presencia cotejándolo con la popularidad de su primo, el xilofón.
Este trabajo se grabó 1986 para la serie Austrian Jazzart.

Woody Schabata - Marimba
Christian Radovan - Trombone
Robert Michael Weiss - Piano
Heiri Kaenzig - Bass
Joris Dudli - Drums

Reseña : Micky Almada

LAS LUCES DEL CIELO

2010-06-02T17:30:00.000-07:00

Hay una fracción de la crítica que considera a Jarret algo así como parte de la burgesía del jazz y otra que a pesar de sus altibajos [ los tiene como cualquier músico ] lo apoya en todo lo que hace de manera apasionada. Con Haden otro tanto, con la diferencia de que el cuestionamiento que le hicieron era, como alguien que había sido parte embrionaria del Free, que estuvo codo a codo con Coleman, terminara haciendo discos como "Land of the Sun".
Es el momento en que yo opino que parece ser, para algunos referentes de críticas inentendibles sobre trabajos de dificultosa escucha, que estar en la cima de la intelectualidad musical es lo lícito, y todo aquello, como éste excelente trabajo, que acerca su música a un público que no es habitué del mismo, es objeto de reseñas poco amigables o bajas calificaciones en esos medios impresos. Lo cierto es que ambos a su modo hicieron avanzar su parte en la historia del jazz y su aporte está en los anales del mismo.
Al día de hoy tengo en lo más alto de mi memoria emocional y en el mejor lugar de mi anaquel, "The night and the City" de Barron / Haden y Standards Vol. 1 y 2 de Jarret en la misma posición.
Ambos habían colaborado en los 70, en el cuarteto del pianista y 40 años después, nos deleitan con este dulce perfume "Jasmine"( primera denominación del género con dos "ss" - Jass - al final, lo de las "zetas" fue posterior, por la preferencia de las protistutas de Storyville por la fragancia de jazmín ).
El trabajo se desarrolla sobre el tálamo de las baladas y los standards con una apropicuada selección del cancionero popular norteamericano. Ninguno de los ocho cortes interpretados sofoca de empalagoso y todo se desarrolla de manera minuciosa y detallada.
"For all we know", " Goodbye " o "Don´t ever leave me", son lo más logrado y tienen más que nada sabor a reencuetro, porque si nos ponemos a pensar, ¿ necesitamos más versiones sobre estos temas evocados hasta la saciedad ?. Seguro que no, pero ambos conocen y muy bien de que se trata la historia ; una historia que se tomo su tiempo para unir a esta dupla esencial.
La pasividad solo se despereza módicamente en cortes como "Body And Soul" y "No Moon At All", donde en la primera Jarret bucea una prolongada exploración sobre un tema rara vez seleccionado por pianistas, algo que llamó mi atención.
La música aquí compartida irradia goce y espontaneidad en el contenido y la forma de ejecutarla. De la estabilidad que fomenta surge la diversidad y ahí radica su valía. Belleza y estilo conjugados de manera transitoria, plasmados en una obra vistosa y recomendable. Una noche iluminada por dos seres en estado de gracia.

Keith Jarrett : Piano
Charlie Haden : Bass

Reseña : Micky Almada

200 AÑOS NO ES NADA

2010-05-25T14:50:00.000-07:00

EL SONIDO DEL VIENTO

2010-05-25T07:02:00.001-07:00

Sentido homenaje musical y fílmico, que se convierte en acto de justicia, a uno de los mejores y más injustamente olvidados artistas de nuestro País.
Al día de hoy recuerdo, no hace mucho, cuando una compañera de trabajo de la radio me comenta ¿ Sabes que Hugo Díaz grabó música de jazz ?, Si queres te lo presto........
Ni más, accedí afirmativamente a la invitación. La sorpresa fue cuando tuve en manos el cd, y me enfrenté al olvido mencionado por quienes habían editado ese trabajo, una característica argentina, ahora mejorada, a partir de los sellos independientes en cuanto a la presentación del mismo.
Una lámina simple, solo con el nombre " Hugo Díaz, Jazz" y la contratapa, si la memoria no me falla, los nombres de los temas y gracias.
Ni que hablar de quién tocaba, en que año se grabó, y muchos etcéteras más. Quienes nos movemos desde hace mucho tiempo en la compra de música, saben muy bien de que hablo y los derroteros por los que pasamos, un tema de larga discusión. Y digo esto porque todavía, a pesar de éste lanzamiento, no hay un rescate plausible de la obra discográfica de Hugo Díaz.
Pero volviendo a lo nuestro, he aquí una gema que cualquier mortal, por sobre todo argentino, guste o no de la armónica debería tener en su discoteca, si lleva la Argentinidad al palo.
Si de alguna forma está representada la poesía de estas tierras también es en las voces de gigantes como Hugo, el Cuchi, el gordo Abalos, Astor y tantos otros que conocieron el olvido y la ignominia, por parte del "gran público". Asesino del tango, le vociferaron a Piazzolla una vez que salió de tocar con su quinteto en Buenos Aires. Por Dios!!
Hugo es uno de los virtuosos instrumentistas que tuvimos, proyectado internacionalmente, de hecho, el compilador y colega Jean Jacques Milteau, lo incluyó en una magnífica recopilación : "Inspiration. 22 great armónica performances" , donde aparece su versión de "La Compañera".
La banda de sonido, incluye cortes interpretados por Hugo Díaz y sus Changos y otros que complementan el merecido documental, a cargo de las nuevas generaciones que recogen su influencia.
Franco Luiciani en una sentidísima versión de "Sur" cargada de duende; "Concierto para armónica y orquesta" con el cromático sonido de Luis Saltos acompañado por la "Orquesta de Cámara del Sur"; "Cuando nada te debía" interpretado por Mavi Díaz, su hija, evocando la memoria de quien se encuentra presente en el corazón y el cariño de quienes admiramos su arte, a pesar de su ausencia.
Adrían Gimenez es otro valuarte de esta obra, quien aporta el blues, corriente de la que también bebió el homenajeado.
Las fotos internas que acompañan los textos y el jugoso reportaje publicado por la revista "Antena" en 1971, trascienden la mera anécdota, para convertirse en un pedazo de historia de nuestro folclore.
Todo aquí, es pura exultación. Por esas cosas del destino, esta sesión de grabación fue realizada el 13 de agosto de 2004, tres meses antes del fallecimiento de Domingo Cura, cuñado y amigo.
Pocas veces confluyen realidad y deseo para dar como resultado este excelente acto de reflexión biográfica.
Incito a que adquieran esta perla , que como el sonido del viento atraviesa el alma.
Para retrotraer su música a la memoria una y mil veces .

Hugo Diaz A LOS CUATRO VIENTOS
Banda de Sonido de la Película de Alberto Larrán.
Con la participación de Domingo Cura, Mavi Díaz,
Luis Saltos, fransisco Luciani,
Adrián Jimenez.

Reseña : Micky Almada

IN MEMORIAM

2010-05-18T08:15:00.001-07:00

31-07 -1918 - 16-05-2010

El pianista y compositor norteamericano de jazz Hank Jones falleció el domingo en Nueva York a los 91 años, anunció este lunes su representante.
Jones falleció el domingo por la noche en un hospital de Manhattan a raíz de las complicaciones de una breve enfermedad, dijo a la AFP su agente Jean-Pierre Leduc. "El mundo del jazz está consternado, era un gigante, uno de los últimos de su generación", comentó Leduc.
Entre 1947 y 1953, Jones fue pianista de Ella Fitzgerald y se caracterizó por su versatilidad artística. Era hermano de Thad Jones, trompetista de Count Basie, y Elvin Jones, percusionista que tocó con John Coltrane.
Tras su colaboración con Fitzgerald, se asoció con Benny Goodman, con quien trabajó hasta los años 70.
Su estilo hizo de Hank Jones uno de los pianistas más solicitados y grabados en la historia del jazz y participó en varios acontecimientos históricos, acompañando por ejemplo a Marilyn Monroe el 18 de mayo de 1962, cuando le cantó 'Feliz Cumpleaños' en público al entonces presidente estadounidense, John F. Kennedy.

Fuente : AFP
Foto : Jazz Photograhy of Francis Wolff, pag, 149

MÚSICA Y FLORES

2010-05-18T07:53:00.001-07:00

Una recorrida por los lejanos 60-70, lo cual no es óbice para arrimarse a mirar. Un libro que invita a un paseo psicodélico muy bien combinado con crónicas y publicaciones de una época que cambió el mundo a partir de su particular estética y libertad.
EL registro de un movimiento que surge a partir de los despojos de una guerra, dando paso a una gesta que reivindica el mensaje de amor y paz.
Para todo aquel que quiera entender la utopía como hecho artístico y personal; si no es mucho pedir, y llevarlo a cabo en su día a día. Barry Miles , como protagonista que fue, plasma los valores y la contra-cultura como una forma de lucha contra el poder establecido, aquel de ayer hoy y siempre, el de las "buenas costumbres y lo políticamente correcto".
Un viaje a través de bellas fotos, mostrando las deidades del rock, el cine, la plástica y todo el arco cultural de aquel entonces.
Lo mejor es que se consigue aquí a un precio no muy accesible, pero como decía mi abuela, uno gasta la plata en tantas pavadas, por que no en esta. Recomendado para todos aquellos que gusten del arte en todas sus formas. Para disfrutar su lectura con vinilos de aquel entonces.

Reseña : Micky Almada

POESÍA DADAÍSTA

2010-05-08T18:13:00.000-07:00

Uno de lo trabajos más accesibles dentro de la discografía de Koglmann. La historia de éste proyecto nace en el verano del 2000, cuando el director y escritor Beverly Blankenship, le ofrece componer una parte de su nuevo proyecto teatral de nombre "Vivace". La parte enconmendada era "Venus in Transit".
A partir de allí, aclaro; nos enfrentamos a una música nacida a tal efecto, escrita para una obra dentro de la obra e inspirada en "I Wanna Be Loved By You" de Marylin Monroe como leit motiv.
El trompetista austríaco compone una música de carácter episódico, melodicamente ingeniosa, ocurrente y aguda respaldada por la complejidad de su creador quien se mete de lleno en composiciones de diferente factura.
Así una cosa lleva a la otra y se viaja de "So rühr' ich um mit meinem Sabel", una escueta y fascinante ópera a la apesadumbrada "Toni, du Dodl", donde David Fiuczynski y Mat Maneri, aportan apetecibles colores musicales.
El grupo que lo acompaña, de personalidades eclécticas, suma y gana en esa instancia; proveyendo un caudal de sonidos diversos que mecen la coreográfica puesta musical del vienés.
Sugerida más que sugerente, la creación se divide en tres partes, la primera y más larga que abarca los doce temas fue la compuesta para la representación teatral " Venus in Transit"; los tres temas de la segunda sección titulada " Wahlverwandtschaften", están dedicados a arquitectos donde se muestra la personal visión de esta rara avis, que carga su realización de cuerpo y forma con la consistencia de sus convicciones musicales, a la cuál no podemos serle indiferente.
Cierra el trabajo "Epílogo", obsequíandonos una música de gran hondura, con genes europeos y un grupo que está a la vanguardia en las tierras de la improvisación. Los trazos minimalistas de la portada nos dibujan una beldad exquisita y elegante. Una de las mejores que he visto.

Aclaración : Como este sitio es un lugar donde reseño música que me gusta y que no siempre es actual, de hecho el cd comentado data de diez años atrás, comento que hoy por hoy, 2010, Franz koglman se está presentando por el mundo con su "Monoblue Quartet" y su último lanzamiento, "Lo-lee-ta : Music on Nabokov".
Si llegan a pasar por el 6º Festival de Jazz de Vigo en España, donde el invitado se presentará, y me quieren invitar estaré más que agradecido.

Reseña : Micky Almada

Chris Speed - tenor sax, clarinet
David Fiuczynski - guitar
Franz Koglmann - trumpet
John Mettam - cocktail drums, percussion
Mat Maneri - viola
Michael Rabinowitz - bassoon
Peter Herbert - bass
Wolfram Igor Derntl - vocals

LA CANCIÓN DEL PROFETA

2010-04-27T06:30:00.001-07:00

No es habitual que reseñemos trabajos de ECM New Series, sección del sello que con una estética vanguardista, propone música clásica, con una mirada muy de avanzada. Pero llega un momento, en que el oído comienza a pedir otro tipo de experiencias. Obras como estas son las que nos elevan momentaneamente a otros niveles, para quien se quiera adentrar en ello.
Recuerdo, refiriéndome a otros artistas, a Lisa Gerrald en épicas creaciones con Dead Can Dance, a This Mortal Coil con Ivo Russell, un alma sensible, a Pieter Nooten con Michael Brook en el atemporal "Sleeps with the fishes" ( por el que siento un profundo amor), que no tienen nada que ver con éste, pero cuya comparación y escucha, nos llevan de la mano a los efectos emocionales buscados , aquí presentes.
Una creación de carácter sublime e hímnico, que conmueve y trasciende el concepto religioso concebido por su autor.-

Música contemporánea que oficia de puente entre una composición vocal sagrada y expresivos gestos improvisados.
"Lamentación del Profeta Jeremías", compuesta por el Canadiense Peter - Anthony Togni ( nacido en 1959 ) es una obra de 55 minutos de duración, basada en los textos de "El libro de las Lamentaciones " , del Antiguo testamento, para clarinete bajo aunando coro a cappella y soprano solo.
La pieza fue comisionada por el concilio canadiense de las artes como parte de las celebraciones de su 50 aniversario y fueron dadas a conocer a los oyentes en el 2007.
La idea original de Togni, en una solicitud al clarinetista Jeff Reilly fue para un concierto en el cual, la narración dramática pudiera representarse a través de la improvisación de los solistas.
En efecto, la pieza, de acuerdo con el compositor " es un expresión directa de mi fé católica" dando a conocer la historia del profeta Jeremías ante la inminente destrucción de Jerusalén en manos de los Babilonios, con un coro que provee la "escena del hacinamiento" y el clarinete bajo como la voz que representa a Jeremías.
Peter - Anthony Togni estudió órgano y composición en su nativa Canadá y en la "Schola Catorum" en París. Es el co-fundador del grupo "Santuario", un trío basado en la improvisación del clarinete bajo, órgano y cello recibiendo numerosos pedidos en varios géneros.
Jeff Reilly es un virtuoso y expande considerablemente el rango técnico de su instrumento, él toca, entre otros, con músicos de la talla de Jerry Granelli y con el dúo del contrabajista, Barry Guy y la violinista Maya Homburger.

Traducción e intro : Micky Almada
Extraído de la reseña original de ecm-records.

Jeff Reilly bass clarinet
Elmer Iseler Singers
Rebecca Whelan soprano
Lydia Adams conductor

NEUROMÚSICA

2010-04-20T06:01:00.001-07:00

Quién en su sano juicio, no escuchó de manera reiterada y tautológica canciones que son parte de nuestra identidad, recuerdos, pasado, afectos, amores, lugares ? Quién puede tirar la primera piedra y negar que que un disco o grupo, fue parte de la banda musical de su vida en determinado momento ? Quién no tomo de manera caprichosa, e hizo propia, esa melodía que idealizaba la chica con la que siempre soñamos y que nunca le dijimos lo que sentíamos, porque, claro, todo nuestro amor estaba expresado, como puñal al corazón en la letra misma ?
Pues bien, para todos aquellos que sufrieron ( no sin placer ) de bucles sonoros reiterados que musicalizan nuestro corto paso por la vida, y quieran mirar un poco más al fondo del aljibe, Oliver Sacks, aclara e investiga cual clínico inspector, todas estas cuestiones.
Con una claridad y un sentido del detalle desbordante, desarrolla en este recomendado libro [ lamentablemente agotado en su primera edición ] como el cerebro organiza y responde a la música; y lo más importante ( e incluso vivido a través de los años por quien escribe ) el poder curativo de la misma, les aseguro comprobado en mi propia persona.
Diferentes situaciones se cruzan en historias reales, relatadas de manera excelente por su autor, quien es un prolífico escritor que nos lleva por los enredados caminos de la psiquie humana, mostrándonos que la música es un fenomeno complejo para nuestro cerebro y que nos puede elevar tanto a momentos sublimes como sumirnos en la angustia o en comportamientos obsesivos.
Los invito a leer una jugosa parte y les sugiero que intenten conseguirlo porque además su progenitor, es un fenomenal narrador. Una obra para no dejar pasar con frío desdén.

La música, «capaz de evocar y expresar emociones y estados mentales que van más allá del lenguaje»

GUSANOS CEREBRALES, MÚSICA EMPALAGOSA Y MELODÍAS PEGADIZAS.

Suena música dentro de mi cabeza
una vez y otra y otra
y no tiene fin...........

Carole King

A veces la imaginación musical normal se pasa de la raya y se convierte por así decirlo en patológica, como cuando ciertos fragmentos se repiten de manera incesante, a veces hasta enloquecernos, sin parar durante días. Esas repeticiones - a menudo una frase o tema bien definido de tres o cuatro compases - son propensas a perpetuarse durante horas o días, dando vueltas por la mente antes de diluirse. Esta incesante repetición y el hecho de que la música en cuestión sea irrelevante o trivial, no de nuestro gusto, o que incluso la detestemos, sugiere un proceso cohercitivo, que la música ha entrado y subvertido parte del cerebro, obligándolo a activarse de manera repetiva y autónoma ( como puede ocurrir con un tick o con un ataque ).
Muchas personas comienzan de pronto a oír un tema de una película, un programa de televisión o un anuncio.
Esto no es una casualidad pues dicha música, en términos de la industria musical, está pensada para "enganchar" al que la escucha, para ser " pegadizas", para abrisrse camino, como un cortapicos, hacia el oído o la mente; de ahí el término de gusanos auditivos, aunque más bien deberíamos llamarle " gusanos cerebrales ".
( Una revista de 1987 las definía medio en broma, como " agentes musicales cognitivamente contagiosos " ).
Un amígo mío, Nick Youns, me describió como se había obsesionado por la canción " Love and Marriage ", una melodía escrita por James Van Heusen. Con sólo oír una vez esta canción - la interpretación que hacía Frank Sinatra de la canción en la serie matrimonio con hijos -, Nick ya se quedó enganchado.
Se quedó " atrapado dentro del tempo de la canción", y no se le fue de la cabeza casi durante diez días. Con la incesante repetición, pronto perdió su encanto, su cadencia, su musicalidad y su significado. Interfería con sus deberes, sus pensamientos, su sosiego espiritual, su sueño. Intentó detenerla de muchas maneras, sin éxito : " me ponía a saltar. Contaba hasta cien. Me echaba agua en la cara. Intentaba hablarme en voz alta tapandomé los oídos".
Finalmente desapareció, pero mientras me contaba la historia regresó y siguió asediándole durante varias horas.

Intro : Micky Almada
Pag, 61 a 62
Oliver Sacks - Musicofilia
Editorial Anagrama

SONIDO ATERCIOPELADO

2010-04-12T07:16:00.001-07:00

Este trabajo se grabó en el Bourbon Street de Toronto y sería la continuación de las sesiones del "Like someone in Love" editado por Telarc y que al momento de su aparición, Verve lo había editado como un doble LP, ahora reducido a un CD.
Arropado en un contexto muy tranquilo, el creador de uno de los riff más populares de la historia del género [ Take Five ] desgrana versiones reposadas, algodonosas y mullidas de clásicos sin tiempo. Desmond se mueve cual perezosa nube sobre cielos relajados cobijándose en la presión casi inexistente de la rítmica.
Así se suceden exquisitas versiones de "Wave" de Jobin, "Nancy (With the Laughing Face)" o "Here's That Rainy Day", que se sumergen en nuestros sueños con diálogos complejos y distendidos, los mismos que representaron al jazz de la costa oeste.
La calma solo es alterada un poco en cortes como "Things Ain't What They Used to Be", "Take Five" o "Line for Lyons , donde esporádicamente se pierden los momentos etéreos, dando lugar a interpretaciones con un módico susurro urbano sin dejar de delinear texturas que se mantienen como premisa en todo el disco.
Ed Bricket ( excepcional ) modera la falta de piano acunando la compenetración de su líder, quien se muestra absorto en su sonido, cual monje zen.
Don Thompson y Jerry Fuller se rinden a lo evidente y aportan lo suyo a este conmovedor día de otoño.
Un gran albúm que nos aleja del ruido de la vida y nos pone más del lado del romanticismo platónico.

Reseña : Micky Almada

Paul Desmond, Alto saxophone
Ed Bickert, Guitar
Don Thompson, Bass
Jerry Fuller, Drums

ESPÍRITU INSPIRADO

2010-04-05T07:55:00.000-07:00

No hay mejor regalo en la vida que uno sepa hacia donde va y qué es lo que quiere. Si hay un ejemplo de esto en lo musical en cuanto a ideas , arquitectura de sonido, organización de los mismos , claridad y a eso le sumamos una pluma colegiada a la hora de hacer correr la tinta sobre el pentagrama que luego se transforman en notas y consecuentemente se corporizan en música para ser ejecutadas por un noneto, de inmediato surge el nombre de Mariano Otero.
Excelente arreglador, contrabajista, compositor y director, este nuevo trabajo surge como un encargue que le comisionó el Festival Buenos Aires Jazz , con el fin de homenajear a su maestro Walter Malosetti.
La perspectiva rítmica esta puesta en la forma en que suena el trabajo, con un swing arrollador, que en algunos pasajes, tranquilamente puede sonar a Zeppelin, Purple o Zappa, en sus momentos de máxima turbulencia, orquestados algunos dentro de las fronteras del estilo y otros jugando casi al límite .
Siete temas de Walter y cinco propios nos invitan a una lectura auditiva, donde la unidad que nace en cada composición deviene en el éxito de la resolución colectiva.
Las modélicas composiciones del contrabajista, generan gestos desposeídos de todo ego y la consecuencia es que cada músico que lo acompaña en el proyecto se luzca y brille con luz propia. No está de más decirlo, todos son de primerísima línea. Cada uno de los integrantes, se destacan tanto en la ejecución de los temas, como en los solos. Escuchen las líneas melódicas de los vientos en cortes como "El Maestro ","Blues for Pepi" o "Walter's Rithm", nada que envidiarle a la dupla Lee Konitz, Warne Marsh junto a Lennie Tristano en las grabaciones para Atlantic.
Otro músico que se proyecta como una verdadera "prima donna" buscada para participar en distintos proyectos, es Fransisco Lo Vuollo. Al día de hoy resuenan en mis oídos los ecos del magnífico "Kuchiku", para mí, uno de los debut más sólidos del jazz argentino.
Hay una idea vinculante en los trabajos de Mariano, donde el hombre se pasea musicalmente por distintos bosques con diferentes climas, algunos templados, otros iluminados con afiebrados rayos que luego abren paso al cálido sol, y al final del recorrido caemos en la cuenta que en el camino, está implícita la idea de integridad, como tesis a desarrollar y continuar en futuros trabajos .Todo un logro de parte de un joven músico que viene demostrando que su pulsión creativa no se adormece fácilmente y cuya siembra esta esparcida en estos "desarreglos" : un espíritu inspirado.-

Reseña : Micky Almada

Cd - Mariano Otero : Desarreglos

Músicos:

Juan Cruz de Urquiza: trompeta y flugelhorn
Juan Canosa: trombón
Ramiro Flores: saxo alto y tenor
Rodrigo Dominguez: saxo tenor y soprano
Bernardo Nonk: saxo tenor y alto
Martin Pantyrer: saxo baritono y clarinete bajo
Francisco Lovuolo: piano
Oscar Giunta: batería
Mariano Otero: contrabajo y bajo acústico
Maestro invitado: Walter Malosetti

NUNCA MÁS, MIRAR PARA OTRO LADO

2010-03-24T09:11:00.000-07:00

...pero una madrugada forzaron las puertas nos allanaron el desván y la memoria, decidieron por nosotros en mitad de la duda, nos quitaron los fantasmas y los papeles, levantaron un cepo de palabras y un corral de miedos donde abandonarnos...

MARIO BENEDETTI

EL AFUERA Y EL ADENTRO

2010-03-23T07:46:00.000-07:00

Que Uri Caine es un músico versátil, es indudable. Que ha generado proyectos que gustan mirarse desde las antípodas, tampoco. Que esta música que vamos a comentar brotó de una mente abierta, menos. El pianista ha sido parte de proyectos con la creme del jazz , Don Byron, Dave Douglas, y su currícula abarca, desde tríos con piano eléctrico, al neo-klezmer, o sus viajes postmodernistas a obras atemporales de Mahler, Wagner y Bach, inconseguibles hoy en el País.
Este trabajo tiene su tiempo ( 1997) y sale de los lugares comunes de los muchos tríos que hay dando vueltas, con propuestas similares. Blue Wail [ la traducción literal sería "Lamento azul " ] tiene un claro sonido post-bop que vertebra todo el trabajo.
Abre y cierra nuestro entusiasta aplauso, con dos versiones de "Honeysuckle Rose", un cuadro musical cuya pintura tonal, es su personal enfoque sobre la historia del piano-jazz . La potencia expresada en el resto del trabajo, genera espacios de tensión y distensión, marcados los primeros por la fogosidad del baterista, Ralph Peterson y los segundos contienen la base armónica precisa a cargo del contrabajista James Genus para que el mecanismo suene aceitado.
De hecho, la química compartida tiene puntos álgidos,"Digature of the Line", es la puerta de entrada al club de jazz, cargado de la bruma espesa del cigarillo que se arrastra por el techo, cobijando el movimiento de cabeza y pies de los aficionados sentados en sus mesas escuchando la perfomance del terceto.
Esta aplastante composición posee nerviosismo musical que se va resolviendo en aguerridas líneas melódicas de libre vuelo.
La grandeza del blues aparece en el corte que da nombre al cd, moldeándose paso a paso por las manos del alfarero, nutriéndose en cada nota, del sentimiento de su autor. Fresca y acogedora.
El único pasaje bellamente introspectivo es "Poem for a Shulamit", cuyos ojos claros imaginan el reposo y la quietud de un lugar de inmutable contemplación donde se revela la angustia. Pertubadoramente liberador.
Una obra donde están muy bien plasmados los opuestos, con un líder carismático que desarrolla un lenguaje que bebe más allá de la fuente del jazz tradicional y el jazz moderno, y a la vez los incorpora. El afuera y el adentro.
La música contenida está dedicada a la memoria de Vladimir Sokoloff y Johnny Coles.

Reseña: Micky Almada

Uri Caine: Piano
James Genus: Contrabajo
Ralph Peterson: Batería.

ALEJANDRA, LA GRANDE

2010-03-14T16:19:00.000-07:00

El próximo 21 de marzo es el día mundial de la poesía y quería publicar sobre una de las mejores letras que dio nuestro País. Esto viene a cuento, al hecho de estar leyendo a la susodicha poeta, a partir del libro "Alejandra Pizarnik, Poesía Completa"; cuya edición estuvo a cargo de Ana Beccia, absolutamente recomendado y que incluye, además de lo conocido de la autora, tomas alternativas y bonus tracks poéticos jamas publicados.
Esta nota salió en la revista "Ajo Blanco" cuando llegaba aquí y referenciaba a tres mujeres; Sylvia Plath, Alejandra Pizarnik e Ingeborg Bachmann.
Bajo el título, "Modos de muerte ", se comenta de manera sucinta pero concisa, vida y trágico final, para tres almas de alta sensibilidad e inteligencia.
Una manera de acercarse a la honda melancolía de una poetisa irrepetible.

Alejandra no encajaba en
aquella sociedad de Perón
y Evita. La feminidad se
concretaba en vestidos
vaporosos y habilidad para
las tareas del hogar, con el
objeto de prepararse para
la finalidad exigida:
el matrimonio

Cuando nace Alejandra Pizarnik en 1936 sus padres llevaban dos años en Buenos Aires. Habían llegado sin conocer la lengua española. Sólo sabían hablar ruso y yiddish, dada su condición de judíos. Llegaban de una Europa espantada por el avance del nazismo. La pareja de emigrantes había disfrutado en su país de una situación económica estable. Eran cultos. Algunos dicen que Alejandra sentía fascinación por su padre, de porte elegante, con ojos azules y amante de la canción francesa.
Como Sylvia Plath, ella tuvo su primer analista en la adolescencia. Una adolescencia llena de problemas importantes para esa edad: tenía granos en la cara, asma y era gordita. Dicen que Alejandra, cuando logró adelgazar, abría la puerta de su apartamento en ropa interior para enseñar aquel cuerpo que por fin era aceptado.
A los dieciocho años inició estudios de literatura y periodismo que abandonó para estudiar pintura, disciplina que también dejaría para dedicarse exclusivamente a escribir. Representaba el prototipo contrario al que quería la sociedad argentina de aquellos años, que pedía a las jóvenes discreción y buena conducta. Alejandra no encajaba en aquella sociedad de Perón y Evita. La feminidad se concretaba en vestidos de telas vaporosas y habilidad para las tareas del hogar, con el objeto de prepararse para la finalidad exigida: el matrimonio.
Descubrió las anfetaminas para adelgazar, pero luego las necesitaría para todo, especialmente para escribir. Y escribió mucho, desde "La tierra más ajena", en 1955, hasta su último libro, "El infierno musical", en 1971.
Construyó un personaje extravagante con su vestimenta y sus modales, quizá porque no se sentía feliz con su cuerpo. Fue amante de la noche, del existencialismo y de los poetas malditos. Su vida era pura literatura.
Amiga de Julio Cortázar, Octavio Paz, Olga Orozco, Oliverio Girando, todo parecía favorecer a aquella muchacha cuyo don era la escritura. Vivió en París cuatro años buscando una patria acorde con su mundo mítico.
Durante ese tiempo encontró su lugar. Allí mecanografió los originales de Rayuela. la novela de Cortázar, y se hizo amiga de Bataille. El mundo parecía sonreírle. Sin embargo, la escritura era también un arma letal que daba cuenta de su propia angustia: "¿A dónde la conduce esta escritura? A lo negro, a lo estéril, a lo fragmentado". Algo, un sentimiento profundo de desarraigo, le desgarraba poco a poco. Decía Alejandra: "Existe en mí una sospecha de que lo esencial es indecible". ¿ La conciencia de desarraigo es un lastre o quizás el tesoro más preciado ?
Alejandra regresó a París en 1969. Pero París ya no era la misma ciudad. Se sentía extranjera, sin patria. Quizás tomó conciencia de su condición de judía y buscó en
el lenguaje esa patria perdida. Recuerda la tristeza de sus padres ante el horror del nazismo. Ni siquiera el lenguaje parece disuadirla de su dolor. Ya no puede refugiarse en la escritura. Quizás por eso, a partir de 1970, inicia un proceso de clausura progresiva que culminaría en el primer intento de suicidio.
Luego escribe una serie de poemas en los que emerge la muerte de ese padre tan querido. Había muerto en 1967. El último año de la vida de Alejandra fue muy productivo. Parecía experimentar una mejoría, pero volvió a caer. Conoció el amor mirando a los ojos de otra mujer y ese amor la zarandeó . La dejó sin lenguaje otra vez: "Mi persona está herida", escribió en un poema.
También hubo llamadas antes de las cincuenta pastillas de Seconal pero nadie estaba disponible.
Nadie sabe si fue un deseo de descanso profundo o el último gesto de una escritura que desde la adolescencia hablaba ya de locura y muerte. Fue un día de marzo. Al día siguiente la poeta Olga Orozco la llama pero nadie contesta.
La encontraron inconsciente. Murió en el hospital. Tenía treinta y seis años.

Intro : Micky Almada
Fuente : Ajo Blanco. Nro: 111

SIN FRONTERAS

2010-03-09T15:51:00.001-08:00

En un reportaje, Agustí explicó muy bien la diferencia que había para él entre free jazz y música libre improvisada. El primero procede de la tradición americana y el segundo de la música clásica europea.
Ambos venían colaborando en distintos proyectos y se podía avisorar uno, a dúo como destino ineluctable.
En ese "otro lugar" que juntos generan, se encuentra una conexión íntima cuyo resultado se expresa en un diálogo abierto y sincero, con composiciones que se suceden de una punta a la otra, dislocando una dinámica que pasa de momentos crepusculares a fragmentadas tensiones, sin perder la continuidad.
La estructura de los temas me retrotae la idea, de la esfera de Pascal : que tiene su centro en todas partes y su circunsferncia en ninguna.
Todas las composiciones son propias, seis de Fernández, tres de Guy y una, de los dos. No hace falta, a estas altura decir los riesgos que toman al abordar un estilo como el explicado por el pianista al comienzo.
No lo duden, son dos conciencias de sobrado talento que abren, a mi modo de ver, determinadas puertas estéticas que serán motivo de más exploraciones. Seguramente este no es un cd para todos los días, y más que probable, no todas las radios lo difundirán, pero la amplia libertad con que se mueven nos muestra una música sin fronteras.
Profunda, compleja, capaz de emocionar y sorprender por partes iguales. Un trabajo que se acerca en algunos pasajes a "Aurora", para quien escribe el "dictum" musical de Fernandéz.

Reseña : Micky Almada

Agustí Fernández (piano)
Barry Guy (contrabajo)

LAS NOTAS SIMPLES

2010-02-28T19:05:00.000-08:00

CIMP [ Creative Improvised Music Proyect ] es un sello que se dedica a registrar música surgida a partir de la espontainedad del momento. EL espíriru del sello es ese, sus siglas significan, "proyectos creativos de música improvisada".
Quizás algo similar, salvando algunas distancias al concepto manejado por HatOlogy casa en la que el pianista dejó registros.
Dave Burrell es un pianista excelente, pero lamentablemente no muy reconocido como debería serlo en el ámbito que nos concierne. Una planta rara, de delicada sensibilidad. Tal es así, esto que comento, que hace poco adquirí el libro de Julia Rolf editado por Ma Non Tropo, Jazz "La Historia Completa" y conseguible por estas pampas y me fijé en el índice onomástico del mismo, vasto por cierto, y figura Burrell..............Kenny.
Es raro que en este compendio de 528 páginas con un subtítulo, que se presenta como la visión total del género, no hayan incluído a un "artista"que graba desde 1965 a la fecha, por no ponerme a escribirles de las notorias ausencias, que les juro, me provocan un ataque de cólera. Será porque no graba para las grandes compañias ? Será porque su música es tan densa como rica y por lo tanto no se maneja con sonidos complacientes y hay que dar un paso más allá para adentrarse en su mundo ? Muchas preguntas, pocas respuestas. Pero a falta de Manfred Eicher aparece Bob Rusch, productor del sello en cuestión involucrado con el jazz desde la década del 50.
Este trabajo a dúo junto con Tyrone Brown, data de agosto del 2000 y es un fino telar sonoro cuyo valor radica, en como sonar moderno mirando hacia la tradición y no morir en el intento. De manera lírica y relajada liberan y expanden composiciones como "Never Let Me Go", [ comparenlá si lo desean, con la que hace Keith Jarret en Tokio 96, grabado para ECM, y dedicado a la rubia de la segunda fila ] aquí abordado con toque pristino, apareciendo la alargada sombra de Monk, avivando el fuego con llamas alocadas.
Quizás tengan la idea que cuando el arte se vuelve estructural, se cosifica, y por ende nos arrojan salvajemente a los oídos esta versión para provocar nuestro desorden interior.
"Struttin' with Some Barbeque", es una muestra donde la dinámica de la melodía es conservada con algún toque funky . "Samba rondo" evoca contrastes de rugosa porosidad, con martilleos telegráficos, por parte del pianista, complementándose con los huracanados vientos del contrabajo.
Vuelve la calma, pero no por eso dejan de mostrarnos sus aristas más creativas y el lugar es ocupado por la Gillespiana "You Go to My Head". Dulce y traslúcida, respira nuevamente aire puro y hace gala de diversidad mostrando el material temático sobre el que Burrel construye su narración. Dura 8'10 y uno desea que no termine nunca.
"Dear Mr. Roach" compuesta por Brown, con una actitud estética de firme personalidad es una carta abierta a "Max" dónde el dúo, piensa y musicaliza la individualidad del político baterista, inimaginable su escucha nuevamente, sin Monk en nuestos pensamientos. "Shortin' Bread", me dió el título de la reseña, sin dudarlo. Simple, transparente, desasida, es otra muestra del interesante manejo que hacen de la indagación de los contrastes con excelente intelección.
La avidez de novedades sonoras, no es propósito aquí , por eso Dave nos trae una composición de propia tecla, "With A Little Time" y establece con Tyrone la ecuanimidad que solicita la misma fluyendo con armonía, buceando una melodía de contundente oscuridad.
"Caravan" manifiesta pendularidad en la suspensión rítmica, casi staccato, llevando sobre sus espaldas en lo más alto el respeto por la tradición a la órden de Mr.Tizol y el Duke.
Continúan desplegando la misma línea, simpleza más poesía y se suceden "Blue Moon" que originalmente no estaba planeada dentro del proyecto y surge a partir de la propuesta de Brown, solicitándole a Dave algo corto, reflexivo. Luego de un breve intercambio de ideas, él sugiere el tema en cuestión, quizás fruto del azar de su intuitiva memoria musical. "The Crave", reinvidica un pasado que no le es ajeno y conoce como la palma de su mano, dejando tranquilos los intereses de los centinelas de lo atávico; y nuevamente una composición propia "Lost Waltz".
El tren avanza hacia su punto de llegada y "Giant Steps" es la elección más precisa para finalizar este recital, que no es en vivo, como quizás se imaginen por el título, sino que nuestra ausencia como público imaginario , se vuelve presencia íntima, cuando las notas cobran forma y dan vida a nuestros oídos a través de renovadas escuchas.
Un ejercicio de lucidez e inteligencia musical. Una mirada hacia el pasado, modernizada en el presente. ¿ Posible sonido del Jazz futuro ?
Me permito un agregado final. La toma de sonido es inigualable y los que somos filosos audiófilos estamos de parabienes. El responsable de esta gratificación es Marc Rusch, encargado de las grabaciónes del sello quien trabaja meticulosamente para capturar el sonido real de cada instrumento. Una actitud más que benevolente deseada por todo músico. La tapa expuesta no es la original del cd y pertenece a Jeff Schlanger.

Reseña : Micky Almada
Dave Burrell, piano.
Tyrone Brown, contrabajo.

Recital

ON THE ROAD AGAIN

2010-02-28T18:56:00.001-08:00

A partir del Viernes 5 de marzo, comenzamos nuestro séptimo año con el programa. Discos nuevos, libros e info traídos de nuestra gira por "La Patria Chica", como la llama mi amigo Felix a Córdoba Capital y la pasión y ganas de siempre. Los esperamos, en el eter y por la red, de 20 a 21 hs. Están todos invitados.-

RECESO VACACIONAL

2010-01-01T05:55:00.000-08:00

FREE THE JAZZ

2009-12-27T14:34:00.001-08:00

Como yo no creo en las casualidades sino en las causalidades y con esto no quiero caer en un discurso new age ni mucho menos, nada se da porque sí.
A partir de una reseña hecha por mí y subida en un sitio de España de un cd de Tom Varner, termino contactando vía mail a quien escribe este artículo preciso y lleno de nitidez. ¿ La causualidad ? ; gran parte de mi formación musical se gestó en una disquería especializada de Córdoba [ cuyo nombre hacía referencia al mejor amigo del hombre y quienes somos de la docta sabemos cual era ] y donde supe comprar una revista que lo tenía a Robert Fripp en la tapa. Por aquel entonces, [ los 90 ] el guitarrista andaba por esos pagos presentándose con los Gauchos Alemanes, recital que tuve oportunidad de ver.
La cuestión era que dicha publicación escribía sobre aquella música que los grandes medios gráficos dedicados al tema , ni siquiera tenían en cuenta.
Esa nueva forma estética de abordar, escribir y publicar sobre aquellas sonoridades del "palo", marcó nuestra manera de escuchar y de acercarnos a nuevos territorios que no conocíamos.
Su nombre : Escvlpiendo Milagros [ la "V" corta oficiaba de "U" y originalmente su nombre era "Escupiendo Milagros"] ; su director : Norberto Cambiasso.
Este artículo que publicamos forma parte de un capítulo más extenso sobre las transformaciones de la improvisación de los '60 a la actualidad para un libro que se editó en España.
Con gusto les presento a alguien que describe esta forma del jazz, con rigor intelectual y pasión por la claridad.

Free jazz e identidad Afroamericana

Hasta cierto punto podrían narrarse los orígenes del free jazz a través de una curiosa dialéctica entre afirmación y negatividad. Los primeros intentos por abandonar cualquier estructura predeterminada –Lennie Tristano, Warne Marsh y Lee Konitz en 1949, Charles Mingus con Teo Macero y Mal Waldron en 1954, Cecil Taylor y Steve Lacy en 1955, George Russell y Bill Evans en 1956, Ornette Coleman y Don Cherry en 1959, Eric Dolphy en 1960- trasuntan una extrañeza que la época trata de exorcizar con etiquetas provisorias -forma libre, música abstracta- y adjetivos insuficientes –atonal, disonante, raro-.
Casi sin excepción, la improvisación temprana delata una perseverancia mayormente acústica, una extendida resistencia a la tecnología. Punto que atestiguan el disgusto de Cecil Taylor por la música electrónica, la espiritualidad rediviva de John Coltrane a partir de A Love Supreme o la recuperación de formas tradicionales como el gospel en Albert Ayler. Incluso las innovaciones electrónicas en los teclados pioneros de Sun Ra –el moog, el clavioline, los efectos de cintas- generan una dislocación sutil respecto de las polirritmias africanas y las modalidades medio-orientales del resto de su Arkestra.
El entorno de la década del ’50 ameritaba esa desconfianza. La amenaza de la Guerra Fría, la escalada nuclear y la constitución de una sociedad de consumo que excluía a los afroamericanos del banquete económico con la misma fuerza con que les escamoteaba sus derechos civiles bastaban, de por sí, para que sus percepciones difirieran del optimismo conformista que caracterizaba a la mayoría blanca de clase media.
Una estructura represiva que paulatinamente tendieron a identificar con su entorno inmediato. Un sentimiento de alienación ante la mercantilización incipiente y la propaganda mediática, que promovía la realización del sueño americano en cada compra de un electrodoméstico o de un televisor nuevo.
Las jerarquías culturales exclusivistas y excluyentes que oponían el modernismo de un pretendido arte alto al ámbito más prosaico –aunque también más festivo- de la mass culture tenían sin cuidado a quienes se veían obligados a sobrevivir en los márgenes, aquellos a los que la fiesta interminable del crecimiento económico y el consumo a ultranza había olvidado girarles una invitación.
No se trata de repetir aquí las conocidas historias de pobreza extrema en los inicios de Anthony Braxton o el Revolutionary Ensemble, la desafección que traslucen las muertes prematuras de Coltrane o Ayler, esa repugnancia de los clubes nocturnos de Chicago ante cualquier forma de jazz, lo que llevaría a la fundación de la Association for the Advancement of Creative Musicians (AACM).
Hay algo más, que escapa a lo anecdótico y trasciende las circunstancias personales. Por un lado, una ética de la afirmación que corteja el mito del comienzo absoluto - llevar a término las promesas incumplidas del jazz a partir de la superación de su lenguaje- hasta confundirlo con lo Absoluto mismo -la promesa de liberación que acarrea un mundo nuevo-.
Por el otro, una recusación del pasado cercano en favor de otro distante y mitologizado –el de África y las comunidades no occidentales-. En la conjunción de estos dos extremismos aparentemente irreconciliables radica la fortaleza del free jazz: la utopía de la libertad y la nostalgia de lo que se perdió, la materialidad del instrumento y la invocación espiritual, la expresión desafiante de una identidad específica y su vocación universalista. Tensiones contradictorias que, bajo una coyuntura histórica y social diferente, determinarán el estatuto de la improvisación en las décadas venideras y promoverán la reacción insidiosa de ciertas corrientes actuales.

Intro : Micky Almada
Fuente :www.esculpiendo.blogspot.com

IMPRONTA x 2

2009-12-21T05:52:00.001-08:00

EL viernes 18 de diciembre, se realizó en Mar del Plata la entrega del premio Gaviota de Oro. El programa quedó nominado en el rubro "Música Jazz" obteniendo los galardones de "Mejor programa de Jazz", tanto en Amplitud modulada como en Frecuencia Modulada. No pudimos hacernos presentes en el evento por cuestiones laborales. Lamentamos no haber podido concurrir y haber vivido un momento que les aseguro se obtenga o no, es único.
La alegría inesperada de haber ganado me llena de satisfacción en un año de mucho trabajo y sacrificio para darle lo mejor al espacio que conducimos desde hace ya, siete años.
Mi agradecimiento al prestigioso Jurado, por habernos elegido en dos oportunidades.
Quiero darle las gracias a Norma Torres, excelente persona, colega de los medios, quien estuvo presente en el evento con su programa y que despojada de toda actitud vanidosa o egoísta recibió los premios por mí, y por haber ella ganado en su rubro.
Un abrazo desde el corazón a Walter Cardoso, conductor de Jazztería, amigo de la vida, nominado en la misma categoría; y a todos los oyentes conocidos y anónimos que semanalmente nos eligen.

FLORES NEGRAS

2009-12-15T19:06:00.000-08:00

Un trabajo que atrapa al aficionado desde la primera nota. Un trío bastante atípico, en cuanto a su formación, dos pianos y un saxo. Tchangodei se encarga de los sonidos más agudos de su instrumento y los chorus, Mal Waldron es la voz grave, bellamente fúnebre y Archie Sheep, el pájaro que sobrevuela, con mirada de puñal, este delicioso plato más propicio para degustar bien entrada la noche con algún libro de Galeano o El Extranjero de Camus [ solo sugiero, cada cual con su cada quien ].
Comienzan los segundos y suena , "The Seagulls Of Kristian", para mí, lo mejor del cd. Es una composición lenta que va a paso de hombre y que conmueve a cualquier espíritu sensible, abordando desde ése lugar, una propuesta marcada por la sonoridad gruesa y profunda de un Sheep, en estado de gracia.
"Space Blues" no deja indiferente al saxofonista, quien se muestra amable en su discurso, aquí al tono y políticamente incorrecto en sus disonancias, característica que me atrapa del portavoz del movimiento Black Power.
No me quiero olvidar de los otros convidados, ya que éste no es un disco solista, sino una fina triangulación donde cada uno es un centro y dicen lo suyo, aportando al resultado colectivo.
"Africa Struggle", hipnótico Sheep, que se nos muestra como la etiqueta mesurada del Coltrane que se desbocaba como caballo loco y que zigzaguea como serpiente, acompañado por la danza de manos desnudas de Waldron - Tchangodei, quienes lo animan a soltar su arte, ofreciendo redes que lo contienen dentro de la estructura de este corte, cuyo significado representa un sentir por parte de los tres intervinientes : "Lucha Africana".
Cuarto paso en la escucha y otro blues, con ribetes de canción de fonda, "Driftin Blues", me recuerda al concepto de algunos críticos que decían que el jazz es esa música que hace mover el pie al compás del ritmo y que no consideran, a personajes como los de este disco, como continuadores del género.
Más les vendría a bien, fisgonear una obra como esta, y ver que hay buenas sugerencias más allá, de los grandes pilares que hicieron esta música, que nació, como casi todo en la historia de la humanidad, a partir del sufrimiento.
"Ma Mission", vuelve a mostrar la característica del primer corte, lánguido y sombrío, con la aparición de la voz meditativa-reflexiva de, me supongo, Tchangodei, partiéndose luego al medio, en un exabrupto de teclas, que, porque reprimirlo, si al fin y al cabo es pasión.
Luego de la primera exposición, hay unos segundos de silencio y a continuación entra de vuelta ¿ el mismo pianista ? para finalizar y llegar a aguas calmas.
Las Flores negras figuran lo opaco de una música que no esta pensada desde la complacencia.
No hay casi información de este trabajo en la red, ¿ por qué ? me supongo que estas ediciones no figuran entre las más vendidas o a lo mejor, músicos como los mencionados, quizás Sheep, menos que los otros, siguen formando parte de la Vanguardia cuando en realidad, como lo apuntamos en otras oportunidades con otros ejemplos de igual valía, tendrían que ser considerados clásicos, por derecho y años en su aporte al Jazz.
Por lo pronto , lo escrito , son las impresiones de un servidor, a partir de la escucha, esperando hayan sido las correctas.

«El jazz es una de las aportaciones sociales y estéticas más significativas de América. Y muchos lo aceptan por lo que es: una aportación significativa, profunda, de América... Está en contra de la guerra, en contra de la del Vietnam; está a favor de Cuba; está a favor de la liberación de todos los pueblos. Ésta es la naturaleza del jazz. No es necesario ir a buscar más lejos. ¿Por qué? Pues porque el jazz es una música nacida de la opresión, nacida de la servidumbre de mi pueblo.»

Archie Shepp
Fragmento del libro "Free Jazz - Black Power"
Phillipe Charles - Jean Louis Comolli

Reseña : Micky Almada

Tchangodei - Piano medium aigu , chorus
Archie Shepp - Saxophones
Mal Waldron - Piano grave medium

IMAGINATIVO COLLAGE

2009-12-08T08:37:00.001-08:00

El concepto de esta bocanada de aire fresco, parte de la idea de un libro que no es un libro y que ha sido escrito por una sola pluma.
Wu Ming 1 [ Roberto Bui, su verdadero nombre ] es el creador de esta apasionante novela llena de referencias, que recorre un largo y peligroso [ en el buen sentido ] camino más allá del Free Jazz.
Wu Ming es un combo de escritores italianos que trabajan de manera colectiva desde el 2000. El posible significado en chino del nombre es : "sin nombre", "no hay nombre" o "cinco nombres" (o "no entiendo").
Un prisma lingüístico que nos lleva de la mano de personajes tan dispares como John Coltrane, la revista Life o el Punk sin el menor atisbo de culpabilidad estética, como debe ser.
Según palabras de su autor : "Escribí New thing porque estoy interesado en la cultura afroatlántica". "Pero también es una alegoría de la represión a los movimientos sociales en los setenta en Italia. Lo que pasó con los Black Panther y programas como Cointelpro eran el pan de cada día aquí. Y en España". Pero New thing también retrata unos tiempos en los que el poder sentía el peligro de los movimientos culturales juveniles. "Ya no es así, la contracultura va por otro camino. Internet lo ha cambiado todo".
Pasen y lean. Gracias a Felix, gran amigo, por pasarme el dato.

Reseña : Micky Almada
- Con información sacada de diversos sitios -

NEW THING

ROSA DE LOS VIENTOS

2009-11-25T16:49:00.000-08:00

Según cuenta la historia, antes de "Free Jazz" de Ornette, existió un trabajo de Lennie Tristano que anticipaba una mirada distinta sobre el sonido del jazz más clásico, aquel que no contenía la alienación y la necesidad de expresar el disconformismo opresivo que blancos ejercían sobre negros.
Coleman tomo el guante dejado por Lennie y le agregó la pimienta política al asunto y aceptó, [como bien dijo Carlos Sampayo en uno de sus tantos artículos ] ser considerado por la crítica bonachona amante de los sonidos digeribles y vendibles , el asesino del Jazz.
Lo que hizo en su momento no se entendió, pero el hombre tozudo como una mula no se amilanó y su coherencia artística brilla con luz propia al día de hoy. De esa vertiente se desprende Don Cherry y con la mirada puesta, por estos tiempos en cuanto a líneas impopulares o de vanguardia, Tom Varner lleva las de ganar entre tantos otros.
Logradísima continuación de este trabajo que secundó a "Swimming", reseñado en su momento en el blog, de un músico que no busca la aceptación del gran público ni estar dentro de los entramados de la historia del jazz más ortodoxo.
Registrado para la misma casa que su antecesor ( Omnitone ), este "Second Communion" explora con sagacidad y colores vivos, el concepto musical de ese paraíso indómito y antojadizo que es ésta obra maestra del trompetista de sonido fracturado y puntillista.
Acompañado de un cuarteto y 2 invitados ( guitarra y corneta ) figuran entre los comensales, el voluble y acuoso sonido de Tony Malaby en el Saxo tenor [ teniendo en cuenta, que está en lugar del por aquel entonces jovial, Gato Barbieri ] parte estable del elenco junto con Cameron Brown en el contrabajo ( el Henry Grimes del asunto ) Matt Wilson en batería quien aporta coloridos pigmentos a esta música rebosante de complejidades y formas inmanentes al Free.
Pete Mc.Canan ofrece espacios más abiertos que en su participación anterior y dan ganas de escucharlo más [ de hecho tiene un cd de propia firma, dando vueltas vaya a saber en que compactera ] y Dave Ballou, quien se combina de maravillas con Malaby y Varner y a quién le tocó bailar con las más difícil, ser la voz, del creador estadounidense.
Y el capitán del proyecto, quien completa la obra con composiciones propias, nos ofrece la sensación en la escucha de una rosa de los vientos, cuya flor de lis, es la música del homenajeado con un cabal conocimento sobre la misma.
Un trabajo tonificante, elaborado sobre bellas composiciones que garantizan placer e imaginación pero también como decía Theodor Adorno : "La misión del arte hoy es introducir el caos en el orden". Algo a lo que asiento sin dudar.

Reseña : Micky Almada

Tom Varner (French horn)
Tony Malaby (tenor saxophone)
Dave Ballou (cornet)
Pete McCann (guitar)
Cameron Brown (bass)
Matt Wilson (drums, percussion)

B4 - HUNDIDO

2009-11-17T17:54:00.001-08:00

Amigos estamos de vuelta por el pago y como no puede ser de otra manera, les informamos que no resultamos ganadores del premio Faro de Oro.
Al respecto me gustaría dejar al viento mi opinión, ya que necesito expresarme. Estaría bueno saber quién es el jurado para rubros como el nuestro, ¿ cuál es el criterio que se utiliza ? ; ¿ en qué basan juicio a la hora de decidir quién gana y quién no ? ; ¿ qué experiencia en la escucha de un género tan particular como este los avala ? Esto último dicho sin ánimo de ofensa y solo como referencia para quienes competimos. ¿ Tendrán en cuenta la diversidad del jazz, o se quedarán con lo clásico?; que no suele ser nuestro caso ni el de otros amigos que concursan .
Este programa que conducimos hace ya 7 años, ofrece un complemento entre música y blog, absolutamente identificable en la red, donde lo escrito es casi todo de pluma digital del firmante y pasamos el jazz más moderno, que por cuestiones generacionales, heredamos.
Los albores del jazz son la columna vertebral del mismo y fuente a explorar indefinidamente, tanto por músicos como por aficionados, pero ha avanzado mucho y la riqueza que presenta hoy por hoy, es la que difundimos en nuestro espacio.
Damos prioridad al jazz argentino y europeo sin dejar de lado los clásicos atemporales y también lo que auditivamente incomoda fruto de las vanguardias.
Resumiendo, esto no es la batalla naval, ni mucho menos, pero es bueno sacarse el sabor amargo de lo incomible. Simplemente otro jazz o el mismo de siempre, pero con otro enfoque, el que nos gusta y en el que creemos.

Opinión : Micky ALmada

UN RUMBITA PARA ISMAEL RIVERA

2009-11-10T08:52:00.000-08:00

Fernando Vargas Valencia, poeta colombiano y amigo, tendría que ir sacando en su presentación al pie de cada escrito suyo lo de "aprendiz de poeta" y colocarse como tal, habida cuenta de lo expuesto más de una vez, aquí en el blog, referido a sus poesías y escritos.
En este caso, sus palabras van con sabor a son, a quien fue en vida, conocido como "El Rey Maleo" y que en los ya lejanos setenta formó parte de la conocida "Fania All Stars", sello discográfico que inmortalizó, entre tantos otros, trabajos como "Siembra" de Rubén Blades.
El proceso creativo, a la hora de sentarse frente al papel, es un acto doloroso, que una vez expresado, irrevocablemente nos invita a pensar, a reír, a cuestionarnos, o a disfrutarlo. Con Fernando se viven en su lectura todas estas cosas, y quizás ninguna a la vez. Por eso, lo de aprendiz, es un saco, que le empieza a quedar chico.

“Aún así con mi presagio/ tendré tu nombre a flor de labio y moriré…/

incomprendido, yo soy Maelo, el incomprendido”

Bobby Capó – “Incomprendido”

Territorio de lo sagrado:

Voz que se desliza por las notas

como una niña que florece mujer.

Pequeños secretos,

entrecortados y curvos,

van dejando huella en la garganta.

Cierto anís crepuscular,

cierto aguardiente en fuga

se deja arrastrar por el canto.

Canta, canta poeta negro,

para que la pureza te conteste bailando,

para que juntos rompamos el silencio

y las cadenas que hieren nuestras voces,

ensordécenos de pronto

con la maravillada quintaesencia

de tu asma.

Brujo que aúlla como un piano en fuga,

aprendiste a cantar en la playa

cuyas arenas lloran de soledad.

Soledad de una América Nuestra

que lleva la clave de tu voz en las arterias,

la misma de Monk cuando fuma y respira profundo

a la espera de un golpe que lo despierte

de la triste telepatía de nuestros tiempos.

Va floreciendo la mujer que amas

en tu garganta.

Es un árbol, Maelo,

es la llama florecida de lamentos

en el centro lacónico de las ciudades sordas.

¿Cómo podrás dormir eternamente

con ese pudor de frutos

derramándose de tu voz?

No podremos resistirnos a la penumbra

que nos oculta el territorio sagrado.

África, América, mujeres desnudas,

combates en cuatro tiempos que no son el tiempo.

Maelo: has sembrado el rugido lumínico

en lo más hondo de nuestras tristezas,

sea por ello que te hayas condenado

a la lucidez eterna del insomnio.

Fernando Vargas Valencia
3 de Noviembre de 2009
FERNANDO VARGAS VALENCIA
Escritor y Aprendiz de Poeta
http://www.almiprieto.blogspot.com

Intro: Micky Almada

JARDÍN FLORIDO

2009-11-02T07:47:00.000-08:00

Excelente continuación del degustado y escuchado en el programa varias veces "Trio"(Sony BMG - 2007), cuyo argumento se basaba en composiciones propias y homenaje a sus maestros.
Material temático todo del líder, este Jardín seco parece tener más vegetación de lo que nos podemos imaginar.
La apertura del cd nos anticipa solapadamente la esencia de lo que va a ser un música concentrada y cargada de un discurso que en todos los cortes da cuenta de la madurez y el vuelo libre de su autor.
Hernán Merlo quien lo acompaña con aplomo y peso de luchador de sumo, muestra que su grandeza física se reparte por partes iguales en su talento y abre junto con Verdinelli, el primer corte de este trabajo, "Tridim", con la grata sorpresa del chileno Diego Urbano en vibráfono ofreciendo novedad y frescura a este corte de contenido bop con pasajes muy cercanos al free ( por parte de Jodos ) que parece desmadrarse en todo momento, pero que como el río siempre vuelve a su cause.
En el segundo corte,"Rebote", la cuestión empieza a ir por los caminos del swing donde se puede intuir el camino recorrido cuando dialogan Ernesto con Hernán y Sergio, quienes hace más de diez años vienen tocando.
Cuando al principio de la reseña hablábamos de madurez, nos referíamos a que la personalidad musical del pianista se fue puliendo junto a sus colaboradores.
"Prioridad" abre sus alas con un soprano que bien podría parecerse al sonido que escuchamos proveniente de Europa y la forma de tocar música improvisada; sin ningún ánimo de comparación, ¡¡pero no!!, estamos escuchando Jazz Argentino, fraccionado y elaborado por la visión de un gran músico como lo es Ernesto, quien en su aparición en este corte ofrece el toque justo y necesario sin caer en discursos longilíneos. Claro y preciso en su técnica pianística, éste es uno de lo picos altos del disco.
El reparo para protegernos de la lluvia, surge desde la añoranza de "Extrañolandia", un parate reflexivo a mitad de camino, con sonoridad cristalina, profunda y un vibráfono que aporta sentido de nocturnidad a esta composición expresada con hondo lirismo.
El tête à tête de LI #5, no acepta ser puesto al lado de una fórmula muy probada dentro de la historia de esta música; dúo de piano y saxo, que aporta inspiración y equilibrio; el remanso justo para continuar la escucha.
Tres algarrobos, deja atrás los climas intimistas de los dos que le anteceden, mostrando solidez y una fogosidad contenida por parte del quinteto, fruto del entusiasmo de una música compuesta desde la independencia compositiva , que quizás su líder extrañaba.
La materia sonora de "¿Y entonces?", suena distinta del resto, y se nutre de un discurso de contraste lóbrego donde sobrevuelan, en el saxo soprano esencias coltreanas ( desde mi profano juicio ) con texturas que son ricas, densas y oscuras como noche sin fin. "No era un río", es una hermosa composición en tempo lento hasta la mitad del track, lo tiene a Lastra y Urbano, marcando reposadamente la senda, de manera afinada y en perfecta sintonía con el resto del los integrantes.
La escueta LI #4, posee complejidad e inflexiones acertadas y la lateralidad musical de modos europeos, como apuntábamos más arriba, dicho esto solo como referencia y sin ánimo de anodinas comparaciones.
En el cierre, el título que da nombre al disco, "El Jardín Seco", con una retórica free, no excesiva manteniendo siempre los parámetros estéticos marcados por quien orquestó esta gran obra que deja huella.
Me queda una última observación, con respecto al envase, que no es un reclamo. Compré, como siempre el cd original y me llamó la atención lo sucinto de la info. Me hubiese gustado, sin empalagarme, más complementaridad entre texto y música , para quienes gustamos de un paso más allá de la data formal.
Jardín Florido era un personaje del paisaje de Córdoba Capital cuya característica era la fluidez de un discurso generoso, quien a la hora de piropear a las damas; acometía con una oratoria de delicada erudición, que al día de hoy, es recordada. Tal cual esta música, para todos los tiempos.

Reseña: Micky Almada

Ernesto Jodos: piano
Carlos Lastra: saxos tenor y soprano
Hernán Merlo: contrabajo
Sergio Verdinelli: batería
Diego Urbano: vibráfono

A TRAVES DE TUS OJOS

2009-10-19T20:13:00.001-07:00

Uno por ahí divaga escuchando a músicos que en determinados momentos de su vida hubiese imaginado grabando discos para otros sellos discográficos.
Que hubiese pasado si "Bitches Brew" se hubiese grabado en ECM en vez de Columbia ? ¿ Hubiese sonado como Stanko en este trabajo ? ¿ Se imaginan a Miles recibiendo alguna sugerencia por parte de Eicher en cuanto a su música ? Se me viene a la cabeza, una imagen : la trompeta del Negro atravesando el vidrio grueso y ancho que separa el estudio de la consola y del otro lado Manfred saltando para un costado y ocultándose bajo la mesa de sonido.
En fin, con esto quiero significar la influencia de Davis en la formación y búsqueda de Stanko como trompetista espléndido que es y como observador de jóvenes talentos tal cual Davis, por aquel entonces.
Vaporosas improvisaciones y un sonido de tonos gélidos y neblinosos definen la búsqueda en este nuevo contexto que dio en llamar : Ojos Oscuros, última producción del músico polaco, para el sello alemán cuya consigna estética es "el sonido más bello después del silencio», aquí logrado de sobremanera.
La expresividad e imaginación de los músicos que lo acompañan es inmejorable. Dos finlandeses, el pianista Alexi Tuomarila y Olavi Louhivuori en la batería, el Joven Jakob Bro en guitarra [ quien ya se había mostrado en el trabajo de Paul Motian Jardín de Eden, para la misma casa discográfica ] y el danés Anders Christensen.
La música aquí mostrada es impresionista en su intención, pero la mirada es más periférica.
" So nice" es la primera cita del cd, en donde Tuomarila da el puntapié inicial para una composición melódica, que en pocas notas y con pocas variaciones, nos sirven de estímulo para indagar la ambientación atmosférica del resto del trabajo."Terminal 7 y "Sol de Mayo" fueron compuestas originalmente para acompañar al drama del dramaturgo sueco Lars Norén en espectáculos de Varsovia.
Los ojos oscuros de Martha Hirsch, tema del cual se desprende el nombre del cd, está basado en el encuentro con la pintura de Oskar Kokoschka "Martha Hirsch" en donde Tomasz relata el impacto emocional ante la intesidad de la pintura y es traspolada por el trompetista a su lenguaje musical. Es para quien escribe la aparición en este corte de la fiereza contenida de la trompeta a mitad de camino, donde lo dicho anteriormente, en cuanto a "emociones que impactan" es tan bien creado aquí.
Por estos días divide su tiempo entre Warsaw y New York y las composiciones siguientes "Grand Central" y "Amsterdam Avenue , están inspiradas en lugares de New York. "Samba Nova" recuerda un viaje del quinteto por el País de la alegría y las formas contorneadas de las fémeninas caderas de los sambódromos, donde los primeros cuatros minutos del corte se asemejan más a la saudade, a Pessoa, a la tristeza y el resto se acerca más a Getz/Gilberto del histórico disco homónimo.
"Dirge for Europe" y "Etiuda baletowa nro. 3 son revisitaciones a la música de su ex-patrón el pianista y compositor Krzysztof Komeda, ligadas y cercanas siempre a su sentir y su corazón.
"Last song", pertenece a su album "Balladyna" de 1976 grabado en este sello, y reinterpretada aquí, 33 años después, con un sonido, único, maduro, y con esa sensación de estar escuchándolo, con otra magia.
Música que se percibe de distintas formas, que puestas en las manos del poeta son siempre una prolongación de lo que el ojo ve o recuerda.

Reseña: Micky Almada

Tomasz Stanko: trumpet
Jakob Bro: guitar
Alexi Tuomarila: piano
Anders Christensen: bass
Olavi Louhivuori: drums

SONRÍE, LO ESTAMOS ESCUCHANDO

2009-10-15T05:57:00.001-07:00

Después de la pantagruélica y fantástica comida musical para nuestros oídos de "unodostres, solo y bien acompañado" y el inconseguible ( para nosotros en esta parte del globo ) paso intermedio de "Adrián Iaies Trio + Michael Zisman - Vals de la 81st & Columbus editado por Sunnyside en el 2008, nuestro músico preferido, nos devora el alma con esta obra mayúscula . Alejado quizás de la vertiente del tango, que supo adaptar al Jazz, este nuevo trabajo de Adrián nos muestra como su nombre se afianzó en el panorama de la música Argentina y su ya irrefutable musicalidad en el resto de mundo.
Siete composiciones firmadas de puño y tecla, nos describen un crecimiento personal, en este caso afincando la idea en el concepto de canción, algo que creo que en trabajos anteriores le venía siendo esquivo o con la mirada puesta en un futuro, ahora materializado.
Su personal mirada de las otras composiciones como "Alfonsina y el Mar", "Loca Bohemia" o "Cuando ya me empiece a quedar solo", lo muestran como un ejecutante diverso y variopinto, sobre todo en "Alfonsina..", revisitada por pianistas de Jazz europeos y tan presta a versiones en tempo lento de toque suspendido ( Bobo Stenson, Giovanni Mirabassi ) en la que Raúl Barbosa impregna su colorido perfume, con su inimitable sonido; para mí, el mejor corte del disco. Sería inelegante no hablar de Pepi Taveira y Ezequiel Dutil quienes lo arropan en una conjugación de formas y melodías de lírica gestualidad y modos refinados. Pepi sólido en su discurso ( magistral en Marai ) y Ezequiel con sonido mesurado y expresivo. Me parece atinado apartar esa idea de que en la mayoría de los pianistas argentinos de Jazz esta como sombra que aletea, la impronta evansiana, como forma de tocar, aunque esto suene remañido desde su concepción, Iaes ( y diganme que pianista que toque en trio o no, no está influenciado por él ) marca la diferencia con una sonoridad propia y acriollada.
Me quedo, como idea para la escucha, con un fragmento del escrito de la carpetilla interior del cd en donde reza:
"...Como sólo escuchar un tilo anunciando la llegada de la lluvia sagrada o como simplemente suspender la conciencia. Por un rato...."
Suspender la conciencia, estar en un estado de "no mente", sin pensamientos, preconceptos, ni juicios valorativos, solo con la compañia de la música y del silencio interior.
Siempre lo decimos y lo reafirmamos, compremos cd originales de nuestros artistas, ellos se lo merecen.

Reseña : Micly Almada

Adrian Iaies en: Piano
Pepi Taveira en: Batería
Ezequiel Dutil en: Contrabajo

NOMINADOS

2009-10-07T19:55:00.001-07:00

Como conductor de este barco que hace ya casi 7 años dimos en llamar "Impronta de Jazz"ofrecemos al navegante (nuestros oyentes) lo mejor de nuestra pasión por la música y la cultura. Sentimos humildemente que en todo este lapso a pesar de viajar por tiempos de mares embravecidos también nos apaciguamos en aguas calmas, siempre con la actitud y la fe puesta en lo que hacemos. Un faro posee una potente luz que se utiliza como guia para llegar a buen puerto. Gracias al Jurado por habernos nominado en el prestigioso premio "Faro de Oro".

"La cruz dice, alta, que lo que hay en mi alma
y hace la fiebre en mí de navegar
de Dios sólo hallará en la eterna calma
el puerto siempre por buscar "

Fragnento final del Poema "Padrón" de
Fernando Pessoa de su libro "Mensaje", Pag.69.